Die Grammys

Foto: Rick Kern/WireImage

Liste

Im Vorfeld des BottleRock-Festivals 2023 im kalifornischen Napa Valley, das vom 26. bis 28. Mai stattfindet, können Sie einige der bemerkenswerten Nachwuchs-Acts sehen, die die vier Bühnen des Festivals betreten werden.

Rund 120.000 Menschen werden vom 26. bis 28. Mai zum 10. BottleRock-Festival in das kalifornische Weinland reisen, das auf der Napa Valley Expo Musik, Essen und Getränke serviert. BottleRock setzt auf das Essen- und Getränkeerlebnis: In den sozialen Medien bezeichnen sie sich selbst als „ein Food-Festival mit Musik im Hintergrund“.

Auf der kulinarischen Bühne des Festivals treffen sich prominente Musikdarsteller zu Kochvorführungen mit Starköchen und Persönlichkeiten: Auf vergangenen Festivals hat Martha Stewart zusammen mit dem Seattle-Rapper Macklemore Gemüse gehackt und Snoop Dogg hat mit Iron Chef Masaharu Morimoto Sushi gerollt. Mehr als ein Dutzend Weingüter nehmen teil, außerdem Brauereien und Brennereien. Das Festival bietet außerdem eine Silent Disco, ein Spa, Pop-up-Live-Musik-Jam-Sessions und Kunstinstallationen.

Aber Getränke, Essen, Kunst und Massagen stehen nicht im Vordergrund: Auf vier Musikbühnen treten täglich mehr als 20 Musiker auf. Post Malone und Smashing Pumpkins sind die Headliner am Freitag, Lizzo und Duran Duran am Samstag und Red Hot Chili Peppers und Lil Nas X sind die Headliner am Sonntag. Bekannte Festzelt-Acts werden am frühen Abend Sets spielen: Billy Strings und Bastille am Freitag, Leon Bridges und Japanese Breakfast am Samstag, Wu-Tang Clan und The National am Sonntag.

Eine Handvoll Festival-Acts werden vom 23. bis 28. Mai auch bei den After-Show-Auftritten von BottleRock Presents in Veranstaltungsorten in Napa, San Francisco und der Bay Area auftreten. Einige dieser After-Show-Auftritte sind ausverkauft, es sind jedoch noch Karten für Cautious Clay, Lucius, the Wrecks und mehrere andere Acts erhältlich. Zum Zeitpunkt des Verfassens dieses Artikels sind die dreitägigen Festivaltickets ausverkauft, einzelne Tagestickets sind jedoch noch erhältlich.

Zusätzlich zu den vielen namhaften Acts auf dem Programm werden ab etwa Mittag auch namhafte Künstler weiter unten im Programm auftreten. Die folgenden 10 aufstrebenden Künstler repräsentieren Pop, Punk, Blues, Hip-Hop, Indie-Rock und mehr und zeichnen sich durch Originalität, Stil und Herangehensweise aus.

Der in Oakland, Kalifornien, geborene und in Napa aufgewachsene Matthew Osivwemu rappt unter dem Namen Oke Junior. Er machte während der gesamten Mittel- und Oberschule Musik: Sein Lied „Elmhurst“ ist eine Anspielung auf die Elmhurst Middle School in Oakland.

Ein älterer Bruder war Mentor für Osivwemu, förderte seine frühen musikalischen Aktivitäten und sorgte dafür, dass er ein Schüler des Rap-Spiels war. „Als ich das erste Mal für ihn gerappt habe, dachte ich, ich wäre roh. Er hat es direkt auf den Punkt gebracht und gesagt: ‚Mann, das ist es nicht. Wenn du rappen willst, musst du sicherstellen, dass es eine Bedeutung hat … tu es nicht.‘ Sei hier draußen und sag einfach irgendetwas“, sagte Osivwemu letztes Jahr während eines „Sway in the Morning“-Interviews.

Im Jahr 2017 entdeckte der Hyphy-Rapper Mistah FAB aus Oakland Osivwemu bei Open-Mic-Abenden in Sacramento und nahm den jungen Rapper unter seine Fittiche. Im Jahr 2016 twitterte Oke Junior, dass er sich wünschte, er hätte bei BottleRock auftreten können, und trat dann 2019 bei Too Short auf die Bühne. Er wird am Sonntag um 13 Uhr auf der Truly Stage auftreten.

Erik Alejandro Iglesias Rodríguez, alias Cimafunk, ist ein kubanischer Sänger, der mit einer neunköpfigen Band funkige afro-kubanische Musik mit einer energetischen Intensität spielt, die Vergleiche mit James Brown hervorgerufen hat.

Für sein 2021 erschienenes Album El Alimento arbeitete er mit Lupe Fiasco, CeeLo Green und der Funk-Legende George Clinton zusammen, eine Erfahrung, die er sagte, als sei es „wie ein Gespräch mit einem Freund“. Das Album wurde bei den GRAMMY Awards 2023 für einen GRAMMY Award als bestes Latin-Rock- oder Alternative-Album nominiert.

Rodríguez wuchs in einer engen Gemeinschaft im Westen Kubas auf, umgeben von Musik: mexikanische Musik, christliche Musik und Salsa, gemischt mit afrikanischen Rhythmen. „Wir hatten eine große Familie. Wir tanzten immer im Haus und jeden Sonntag tanzten wir – Salsa und andere Arten“, sagte Rodríguez zu GRAMMY.com. „Jeder liebte Musik und wir hörten alle den ganzen Tag Musik. Irgendwann in jedem Haus wurden viele Arten von Musik gespielt – mexikanische Musik, Reggaetón, Lionel Richie oder Michael Jackson, das war meine Lieblingsmusik.“

Cimafunk tritt am Sonntag um 16:15 Uhr auf der Allianz-Bühne auf.

Ponder, ein ehemaliger Pflichtverteidiger aus Rochester, New York, ist auch ein kraftvoller R&B/Soul-Sänger, der in Late-Night-Talkshows und auf Festivals wie Bonnaroo und Lollapalooza aufgetreten ist. Ponder nahm ihre juristische Arbeit ernst, machte aber auch mehrere Jahre lang nebenbei Musik. Nach ihrem 40. Lebensjahr wagte sie den Sprung ganztägig zur Musik.

Das 2022 erschienene Debütalbum „Some of Us are Brave“ von Ponder ist voller fröhlicher, spiritueller Knaller und entspannter Beichtstühle. Die Musik zieht sich oft weit zurück und lässt Ponder den ruhigen Raum, den Zuhörern zu vermitteln, dass sie ihren Schmerz und ihre Freude spürt und sie aufrichten möchte. Der Titelsong des Albums ist eine zeitgemäße Hymne für soziale Gerechtigkeit: „Alles, was wir wollen, ist, wir selbst zu sein … wir wollen keine Probleme“, singt sie.

„Wir haben während des Jurastudiums ein Album und alles gemacht. Ich hatte einfach immer das Gefühl, ich wollte nicht kämpfen. Ich hatte diese Angst vor finanzieller Instabilität und dachte mir einfach, ich kann nicht Vollzeit Musik machen. Aber „Irgendwann hat es mich einfach angezogen“, sagte sie gegenüber NPR.

Ponder tritt am Samstag um 13:45 Uhr auf der Jam Cellars-Bühne auf.

Dieses Hip-Hop-Duo aus Pennsylvania bringt mit seinen übermütigen, energiegeladenen Beastie-Boys-Vibes und Popkultur-Bezügen zu Themen wie Star Wars und frischen Produkten eine kräftige Portion Witzbold im 90er-Jahre-Hip-Hop-Stil mit – allerdings von einer humorvollen, jugendlichen Generation Z Perspektive. Scrollen Sie zum Ende ihrer Spotify-Seite und Sie werden Folgendes sehen: „Wer liest Spotify-Biografien?“

Die Rapper-Produzenten – mit bürgerlichen Namen Joey Bertolino und Braedan Lugue – sind langjährige Fans von frühen Rap-Innovatoren wie Biz Markie, Eric B. & Rakim und den Beastie Boys, aber auch von EDM. Sie lernten sich an der Penn State University kennen und beide verdanken ihren Vätern große musikalische Inspirationen. Das Duo macht den Großteil seiner Musik in Valances Schlafzimmer. „Er kommt vorbei und wir spielen einfach herum, bis etwas Lustiges dabei herauskommt, das wir lieben“, sagte Valence zu „Ones To Watch“.

Nachdem das Duo auf TikTok an Popularität gewonnen hatte, spielte es seinen Song „Double Jump“ in der „Ellen DeGeneres Show“ und gewann den Hauptpreis einer Talentshow in Höhe von 10.000 US-Dollar. Mittlerweile haben sie mehr als 850.000 Follower auf TikTok.

Joey Valance & Brae treten am Sonntag um 19:15 Uhr auf der Truly Stage auf.

Die in Schweden geborene Sängerin hat eine beneidenswerte Durchbruchsgeschichte. Im März 2020, während des frühen Pandemie-Lockdowns, postete Latour – Studentin an der Columbia University – ein Video von sich selbst, in dem sie „One More Weekend“ sang, ein fröhliches Lied über Herzschmerz an der Uni TikTok, wo es seitdem mehr als 455.000 Mal angesehen wurde. Ein Jahr später bewarb sich Latour um Ferienjobs, als Plattenfirmen auf sie zukamen und sie bei Warner Records unterschrieb. Letzten Sommer trat sie am selben Tag wie Metallica im Lollapalooza auf.

Als Kind von Journalisten studierte Latour am College Philosophie und ihre Lieder thematisieren eine Reihe von Emotionen, die mit Beziehungen, Tod, unordentlichen Schlafzimmern und Existentialismus verbunden sind.

„Ich fühle mich mit diesem überwältigenden Bewusstsein meiner Sterblichkeit verbunden. Es ist das, was das Leben schön macht. Das ist mein ‚Dankeschön‘ an die Existenz“, sagte sie gegenüber Billboard.

Maude Latour tritt am Samstag um 14:45 Uhr auf der Allianz Stage auf.

Thunderstorm Kahekhili Artis wuchs in Oahu auf und spielte in einer Familienband mit seinem Vater Ron Artis, einem Künstler und Motown-Session-Musiker, der mit Künstlern wie Michael Jackson, Van Halen und Stevie Wonder spielte.

Nach einer Tournee mit seinem älteren Bruder Ron Artis II wurde Thunderstorm eingeladen, bei der Hochzeit des Crazy Rich Asians-Regisseurs Jon M. Chu aufzutreten, und war Finalist in der Frühjahrssaison 2020 von „The Voice“, wo er Interpretationen von „Blackbird“ aufführte „ von den Beatles und Lieder von Künstlern wie Louis Armstrong.

Thunderstorm hat seine Mischungen aus Folk-, Rock-, Soul- und Country-Musik zusammen mit Künstlern wie Jack Johnson und Booker T aufgeführt. Er ist dafür bekannt, Interpretationen von Liedern von Künstlern wie David Bowie, Leonard Cohen und Elton John zu spielen.

Thunderstorm Artis tritt am Sonntag um 12:15 Uhr auf der Verizon-Bühne auf.

Der 21-Jährige aus Miami brach 2021 sein Studium am Berklee College of Music ab, um sich ganz der Musik zu widmen. Sie kombiniert Gitarre, Klavier und Saxophon mit elektronischen Beats zu stimmungsvollem Dream-Pop.

Valentine hat gesagt, dass sie es liebt, sich Videos ihrer Lieblingskünstler anzusehen, bevor sie die Bühne betritt, und listet ein Who-is-Who berühmter Rockstars auf, die sie inspirieren: „Thom Yorke von Radiohead. Mitski. Früher liebte ich Kanye – nicht mehr so ​​sehr.“ James Blake. Axl Rose ist sehr theatralisch. Fiona Apple ist cool und sehr gruselig.“

Valentine veröffentlichte letztes Jahr Tonight I Don't Exist, eine sieben Songs umfassende EP mit Schlafzimmer-Pop, und veröffentlichte kürzlich ein Video zum Song „Next Life“ von dieser EP.

Ayleen Valentine tritt am Freitag um 12:30 Uhr auf der Jam Cellars Stage auf.

Die mit dem Kopf wackelnde, tanzende Menge und die auffälligen, hellen Lichter einer Meute-Show sehen fast genauso aus wie eine durchschnittliche Clubszene, aber statt eines DJs, Plattenspielern und Laptops sieht die Menge elf Leute in Blaskapellenuniform und mit Blechblasinstrumenten.

Wie die meisten Blaskapellen bietet das 11-köpfige deutsche Blechbläserkollektiv Meute üppige Harmonien und ausdrucksstarke Hornsoli, untermalt von Marching-Band-Percussion. Aber Meute ist eine „Techno-Marschkapelle“, deren Ziel es ist, mit Blaskapelleninstrumenten eine energiegeladene, hypnotische Clubatmosphäre zu schaffen. Meute-Gründer und Trompeter Thomas Burhorn liebte die Ekstase und Intensität von Raves, dachte aber, es wäre interessanter und aufregender, wenn statt eines DJs eine Live-Band auf der Bühne stünde.

„Wir machen Interpretationen … Es ist ein schöner Teil der Kunst und ein schöner Teil der Musikgeschichte … wenn man der Komposition etwas Neues geben kann, wenn man sie aus einem anderen Blickwinkel betrachten kann, ist das eine schöne Sache“, sagte Meute-Gründer und Trompeter Thomas Burhorn erzählte Variety.

Die Gruppe tourte letzten Sommer durch 18 Städte in ganz Nordamerika und trat beim Coachella Valley Music and Arts Festival von Goldenvoice auf.

Meute tritt am Samstag um 20:45 Uhr auf der Allianz-Bühne auf.

Die Mitglieder von The Alive sind Teenager aus Südkalifornien, aber sie machen Musik, die wie eine Collage aus Alternative-Rock der 90er und frühen 2000er Jahre klingt.

„Wir sind mit Surfen und Skaten aufgewachsen. Im Auto haben unsere Eltern angefangen, Musik zu machen“, erzählte Sänger und Gitarrist Bastian Evans einem Interviewer. „In den ersten vier oder fünf Jahren meines Lebens habe ich nicht darauf geachtet – aber nach einer Weile habe ich angefangen, wirklich zuzuhören, was gespielt wurde, und eine Verbindung zu einigen Bands aufgebaut, insbesondere zu Queens of the Stone Age. Mein Vater.“ Ich habe es morgens ständig gespielt, besonders auf dem Weg zur Schule.

The Alive traten beim Lollapalooza Chile und beim Ohana Fest auf, eröffneten 2021 die Hauptbühne beim BottleRock und spielten eine After-Party-Show mit ihrem Kollegen aus Laguna Beach, Taylor Hawkins, und seiner ehemaligen Nebenband Chevy Metal.

The Alive wurde vom Stab Magazine zu einem der „30 Under 30 Culture Shifters of Tomorrow“ ernannt und hat Benefizkonzerte für die Surfrider Foundation, Surfers Against Sewage in England, Sustainable Coastlines Hawaii und Save The Waves gegeben.

The Alive treten am Sonntag um 12:30 Uhr auf der Jam Cellars Stage auf.

Als der 24-jährige Christone „Kingfish“ Ingram bei den GRAMMYs 2022 den Preis für das beste zeitgenössische Blues-Album gewann, sagte er der Menge: „Jahrelang musste ich dem Mythos zusehen, dass junge schwarze Kinder nicht auf Blues stehen, und Ich hoffe nur, dass ich der Welt etwas anderes zeigen kann.

Sein Debütalbum „Kingfish“, produziert von Tom Hambridge, wurde 2019 auf Alligator Records veröffentlicht und brachte ihm eine Nominierung für das beste traditionelle Blues-Album bei den 62. jährlichen GRAMMY Awards ein.

Ingram wuchs in Clarksdale, Mississippi, auf und spielte Schlagzeug, Bass und Gitarre. Er studierte Musik am Delta Blues Museum bei Bill „Howl-N-Mad“ Perry und Richard „Daddy Rich“ Crisman und spielte bereits in der siebten Klasse in der Stadt.

2014 trat er mit der Band Delta Blues Museum für Michelle Obama im Weißen Haus auf. Ingram reiht sich in eine lange Tradition von Künstlern ein, die aus Clarksdale hervorgegangen sind: John Lee Hooker, Ike Turner, Sam Cooke und Muddy Waters sind nur einige davon.

Christone „Kingfish“ Ingram tritt am Sonntag um 17:45 Uhr auf der Allianz Bühne auf.

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Foto: Jacob Shije

Interview

„Ich möchte nicht im Rampenlicht irgendeiner Verrückten stehen. Ich möchte kein Superstar sein“, sagt der Gitarrenbrenner zu GRAMMY.com. Ob im Rampenlicht oder nicht, Levi Platero zeigt den Weg für den Bluesrock in indigenen Gemeinschaften auf.

Im Jahr 2022 sprach Levi Platero mit GRAMMY.com über sein damals neues Album Dying Breed. Zwei Tage später prallte ein Stadtbus gegen seinen Reisebus.

Der Bluesrock-Gitarrist aus Arizona, der von der Eastern Agency der Navajo Nation stammt, war auf einer Westküstentournee. Nach dem Mittagessen in der Innenstadt von Portland, kabumm: Ihr Van hatte einen Totalschaden. Als ich von dieser knappen Entscheidung hörte, fiel mir etwas ergreifendes ein, was Platero gesagt hatte.

„Ich möchte einfach weitermachen können, Mann. Besonders bei Bluesmusik kann man sozusagen ewig spielen“, sagte er gegen Ende des Interviews. „Ich möchte keine anderen Musikgenres ausschließen, aber ich kann mir nicht vorstellen, mit 60 oder 70 Jahren ein Rap-Künstler zu sein. Ich kann mir vorstellen, bis zu meinem Tod ein Blues-Rock-Typ zu sein.“

Wenn man Jahrzehnte in die Zukunft blickt, kann man sich kaum vorstellen, dass Platero und seine Musik von der Gemeinschaft getragen werden, die er mitgegründet hat.

Als absoluter Brenner auf seinem Instrument – ​​siehe Dying-Breed-Highlights wie „Fire Water Whiskey“ und „Red Wild Woman“ als Beispiele – gilt er wie kaum ein anderer als Bluesrock-Größe in der Navajo-Nation. Oder seiner Einschätzung nach nur einer: Mato Nanji von der Band Indigenous, den er liebevoll „Big Brother“ nennt.

Vielleicht inspiriert Platero – der einen neuen Van im Auge hat und sich darauf vorbereitet, im Spätfrühling wieder ins Studio zu gehen – auch andere in seinem Gefolge. Und je mehr er singt und spielt, desto wahrscheinlicher erscheint das Ergebnis – dass seine „aussterbende Rasse“ für immer gedeihen wird.

Lesen Sie weiter für ein ausführliches Interview mit Platero über sein neuestes Album, wie Indigenousness seine Kunst inspiriert und warum er „kein Superstar sein will – ich liebe es einfach zu spielen.“

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit bearbeitet.

Erzählen Sie mir von Ihrem Hintergrund und der musikalischen Gemeinschaft, die Sie großgezogen hat.

Ich bin in der Kirche aufgewachsen. Mein Vater war Evangelist. Er ging hinaus, tat Dinge für die Kirche und diese Art von Gemeinschaft. Manchmal kam ich mit, aber ich beteiligte mich an der Gottesdienstleitung und solchen Sachen. Aber mein Vater schrieb seine eigenen Lieder und machte später seine eigene Musik. Und ich ging raus und half ihm, einfach Schlagzeug zu spielen. Ich war nur im Hintergrundbereich.

Später fing ich an, Gitarre zu spielen und viele alte Gospelmelodien und Gospelhymnen zu hören. Dort lernte ich den Blues kennen. Und nachdem ich den Blues kennengelernt hatte, war das alles, was ich jemals wirklich gehört habe.

Mittlerweile hat sich einiges geändert. Ich bin in der Welt unterwegs, mache mein eigenes Ding und schreibe meine eigene Musik über einige Dinge, die ich fühle – nicht unbedingt etwas, das mit der Kirchengemeinschaft zu tun hat. Aber da habe ich angefangen.

Was ist Ihre Vorstellung vom Blues? Für mich ist es ein bisschen wie das Wort Punk. Es kann eine bestimmte Art sein, Power-Akkorde zu spielen, oder ein ganzer Seinszustand – ein Gegensatz zum Status quo. Ebenso kann der Blues 12 Takte oder die Gesamtheit menschlicher Angst bedeuten.

Ich denke, es ist wahrscheinlich die roheste Form musikalischer Emotionen, die ich fühlen kann – die ich jemals wirklich für mich selbst empfunden habe. Aber das ist nur meine eigene Meinung. Das ist meine Wahrnehmung davon. Ich höre immer viele Leute sagen, dass es etwas überflüssig und irgendwie langweilig sei und so weiter. Aber für mich ist es einfach etwas Rohes, Emotionales und Unkompliziertes.

Und was den Lebensstil angeht, muss ich sagen, dass ich als Teil einer Blues-Community wirklich unter Leuten bin, die wirklich respektvoll sind.

Und die Menschen, die am meisten respektiert werden, sind die Menschen, die im Allgemeinen nicht das größte Talent haben, aber insgesamt sind sie eine großartige Person – sie haben eine großartige Persönlichkeit. Sie haben großen Spaß an der Musik des anderen und engagieren sich wirklich in der Blues-Gemeinschaft, wo sie sich gegenseitig helfen, sich gegenseitig Auftritte verschaffen und als Hospitanten auftreten.

Es ist einfach diese wirklich freundliche Dynamik in diesem Bereich. Ziemlich angenehm. Ich liebe es.

Lebend oder tot, ob Sie sie kennen oder nicht, wer sind die Gitarristen, die Sie geformt haben?

Ich muss sagen, dass mein größter Einfluss der indigene Mato Nanji war. Sie waren damals, wahrscheinlich Anfang der 2000er Jahre, eine Blues-Rock-Gruppe der amerikanischen Ureinwohner. Sie haben sich in der Bluesszene einen wirklich guten Namen gemacht, und ich hatte die Gelegenheit, tatsächlich zu reisen, für ihn aufzutreten und auch seiner Band beizutreten.

Ich habe wirklich viel gelernt, indem ich mit ihm Zeit verbrachte und einfach ein Teil seiner Gruppe war. Er ist einer meiner größten Gitarreneinflüsse und als Person – als Vorbild.

Ansonsten – Leute, die ich nicht getroffen habe – muss ich natürlich sagen, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan. David Gilmour hatte einen guten Einfluss. Doyle Bramhall II – kleiner Doyle, großer Doyle.

Und dann in meiner Gemeinde, zurück in Albuquerque, Darin Goldston – er spielt für die Memphis P-Tails. Er moderiert jeden Mittwochabend den Blues-Jam. Wer auch immer dabei ist und einfach nur Blues spielen möchte, der kommt raus und jammen. Es ist ziemlich großartig.

Und natürlich Ryan McGarvey. Falls Sie nicht wissen, wer das ist: Er gehört zur Blues-Rock-Szene. Er ist ein toller Kerl – eine ziemlich einflussreiche Person.

Wie haben Sie angesichts all dieser Inspirationen begonnen, Ihre eigene Stimme auf der Gitarre zu entwickeln?

Einfach gut gewürzt, schätze ich. Ich spiele einfach ständig mit der Zeit. Manchen Menschen gelingt es nicht auf Anhieb, ihren eigenen Sound zu finden. Mit anderen Menschen müssen sie durch die Jahreszeiten gehen und neue Dinge lernen, bis sie eines Tages allein durch die ersten paar Töne, die sie spielen, wirklich erkennbar werden.

Ich glaube nicht, dass es mir schwer fiel. Ich habe nur gespielt, bis es für die Ohren mancher Leute hörbar wurde.

Ich bin mir sicher, dass bestimmte indigene Einflüsse auf irgendeine Weise in deinen Sound einfließen müssen.

Ja natürlich. Ich meine, diese Drum-Patterns, diese Drum-Beats – sie ähneln wirklich dem ganzen Chain-Gang-Kram, den sie damals machten. Diese Call-and-Repeats und solche Sachen.

Manchmal versuche ich, das in meine Musik zu integrieren. Indigene Einflüsse sind vorhanden, was Schmuck und Hüte betrifft. Sogar ein bisschen Grafikdesign. Das Zeug findet definitiv seinen Weg in den Modebereich und in die Werbung.

Sagen Sie mir, was Sie mit Dying Breed künstlerisch vermitteln wollten.

Ich wollte einfach ein Album herausbringen, weil ich es muss. Ich liebe es, meine eigene Musik zu schreiben, und natürlich ist das ultimative Ziel, Musik zu machen, die Menschen inspiriert und erreicht – und die auch indigene Künstler und Menschen in Reservaten dazu inspiriert, das zu tun, was sie wollen.

Denn es ist so: Ja, es gibt Bildung im Rez, aber was die Verkaufsstellen betrifft – Mode, Musik, Kunst, Film –, schaffen es einige dieser Dinge nicht bis ins Reservat.

Allein die Tatsache, ein indigener Künstler zu sein – in der Lage zu sein, solche Musik zu schreiben und herauszubringen, damit andere sie hören können – ist meiner Meinung nach die ultimative Errungenschaft dessen, was ich zu tun versuche. Nur um weiterhin Menschen zu inspirieren – meine eigenen Leute, Einheimische in den ganzen USA

Können Sie etwas über Ihre Mitarbeiter bei Dying Breed sagen?

Das ist eigentlich irgendwie lustig, weil ich den Großteil der Arbeit an dem Album mache.

Ich habe alle Gitarren gemacht. Ich habe alle Bassgitarren gemacht. Ich habe den Leadgesang übernommen. Mein Cousin [Royce Platero] spielte das Schlagzeug. Ich ließ meinen Rhythmusspieler [Jacob Shije] nur auf etwa zwei Tracks spielen, und er spielte nur Small-Fill-Gitarren und das war's. Ich hatte einen guten Freund namens Tony Orant, der zu mir kam und bei zwei der Songs auch Keys spielte.

Was die Songs betrifft, habe ich sie alle geschrieben. Ich habe alles komponiert. Ich habe mir die Arrangements und die Kernabläufe ausgedacht. Ich meine, es ist alles meins.

Einer meiner Lieblingsmenschen und -produzenten im Moment, ein Toningenieur, der mir bei dem Album geholfen hat: Sein Name ist Ken Riley und er lebt in Albuquerque. Er hat ein wirklich schönes und fantastisches altes Adobe-Aufnahmestudio direkt am Rio Grande. Es heißt Rio Grande Studios. Er ist eine Art Legende. Er hat mit so vielen Künstlern zusammengearbeitet und arbeitet immer noch mit namhaften, bedeutenden Künstlern zusammen.

Ich glaube, er hat erst kürzlich an Micki Frees Album gearbeitet. Er arbeitete an einigen Songs mit Santana und Gary Clark Jr. Christone [„Kingfish“] Ingram. Er arbeitet mit einigen Schwergewichten zusammen, und ich habe mich an ihn gewandt. Ich wurde ihm von einem Freund namens Felix Peralta vorgestellt. Er sagte mir, ich solle diesen Typen treffen und sagte: „Du musst hier deine nächste Platte machen.“

So haben wir uns endlich kennengelernt, ich und Ken, und von da an ging es einfach so weiter und alles lief wirklich gut. Ich genieße diese Platte wirklich. Es ist wahrscheinlich mein Lieblingsstück, das ich bisher gemacht habe.

Levi Platero. Foto: Jacob Shije

Gibt es andere indigene Musiker in der Blues- und/oder Americana-Welt, die Sie in diesem Interview hervorheben möchten?

Was Bluesgitarristen an erster Stelle betrifft: Ich muss meinen Dank aussprechen – ich nenne ihn Big Brother. Mato Nanji, und das bedeutet „stehender Bär“. Er ist ein großes Vorbild und wahrscheinlich neben mir der einzige andere indigene Bluesrock-Gitarrist, der das versucht.

Möchtest du sonst noch etwas erwähnen, bevor wir hier rauskommen?

Nein, ich möchte einfach weiterspielen. Ich möchte einfach weitermachen – mehr Leute kennenlernen, weiter expandieren. Ich möchte nicht im Rampenlicht stehen. Ich möchte kein Superstar sein. Ich liebe es einfach zu spielen. Ich möchte einfach nur, dass die Leute meine Musik genießen und bei den Shows gute Laune haben. Das ist es.

Amerika hat eine Fülle musikalischer Formen hervorgebracht. Diese indigenen Künstler möchten wissen, wo sie hineinpassen.

Foto: Raúl González

Interview

Bei der Musik von Cimafunk geht es nicht nur darum, Spaß zu haben; Der kubanische Künstler möchte die Zuhörer dazu ermutigen, sich als Menschen zu amüsieren. Sein zweites Album „El Alimento“ ist für einen GRAMMY Award in der Kategorie „Bestes Latin-Rock- oder Alternative-Album“ nominiert.

Havannas charakteristische Klänge sind kaum zu ignorieren; Reggaetón, Santeria-Trommeln und Timba-Musik strömen durch die wichtigsten Kulturräume der Stadt und unterstreichen ihre Nähte. Zusammen ergeben all diese Klänge eine Symphonie in den Straßen eines globalen Musikmekkas.

Um 2019 stand Cimfunks Breakout-Hit „Me Voy“ im Mittelpunkt dieser Symphonie – er dröhnte aus den Fenstern von Oldtimern und von Balkonen auf die Straße und streamte von Mobiltelefonen, die versuchten, in einem Park eine wackelige Internetverbindung herzustellen. Das Lied war scheinbar überall zu hören und erregte mit seinem lauten „Schau mich an“-Ton und seinem funkigen Rhythmus Aufmerksamkeit.

Ein Blick in die Gegenwart zeigt, dass Cimafunk auf globaler Ebene explodiert ist. Der 33-Jährige, der zum ersten Mal für den GRAMMY nominiert wurde, ist heute ein bahnbrechender Schöpfer, dessen Musik afro-kubanische Rhythmen und afroamerikanischen Funk vereint. Sein zweites Album, „El Alimento“ aus dem Jahr 2021, ist neben Rosalía, Tinta y Tiempo, Jorge Drexler, Gaby Moreno und Fito Paez bei den GRAMMYs 2023 als bestes Latin-Rock- oder Alternative-Album nominiert.

Klanglich ist „El Alimento“ ein gleichzeitiger Rück- und Vorwärtsrückzug in der Zeit. Cimafunks frische Interpretation von Funk, gemischt mit klassischem Cha-Cha, Afrobeats, Rap, Rock und mehr, schwankt im gesamten Album von Rand- zu zentralen Klängen. Dabei durchquert er nicht nur unterschiedliche Genres, sondern kreiert in seiner Musik eine eigene Art zu sein.

Cimafunk fängt den verspielten Rhythmus Kubas in „Te Quema La Bemba“ ein, wo schneller Straßenslang mit Rap-Beats in eine erdende, elegante Mischung mit Cha-Cha-Untertönen übergeht. „Salvaje“ – eine Verbindung mit dem Latin-Jazz-Meister Chucho Valdes und dem Stax Records-Session-Spieler Lester Snell – folgt diesem Beispiel, indem Cimafunk in langsamere Balladen mit tieferem, dichterem Gesang übergeht, was dem Song und seinem Stil insgesamt ein Gefühl von Schwere verleiht. „Rompelo“, ein weiterer bemerkenswerter Titel mit Lupe Fiasco, zeichnet sich durch seinen hervorragenden Rap-Groove aus.

Cimafunk arbeitete mit dem Funk-Paten George Clinton an „Funk Aspirin“ von El Alimento zusammen – einem explosiven, explizit Funk-Stück, das auch mit den lebhaften tropischen Tönen Kubas synchronisiert ist. „Cimafunk ist der eine, der nächste“, sagt Clinton gegenüber GRAMMY.com. „Er nimmt es zurück, während es im Jetzt bleibt. Es ist wie das, was wir tun: Den Funk immer neu zu erfinden, um ihn frisch zu halten.“

Die Musik von Cimafunk ist ebenso von afrokubanischen Rhythmen und afroamerikanischem Funk geprägt wie von Havannas lebendiger Live-Musikkultur und starken kommunalen Bindungen. Mit seiner neunköpfigen Band – die größtenteils aus Musikern der renommiertesten Musikschulen Kubas besteht – fühlen sich Cimafunks Live-Shows eher wie eine Ganzkörper-Funk-Therapie an als wie reine Klangreisen.

In einem Interview auf Englisch mit ein paar Brocken Spanisch erläuterte Cimafunk seine Wurzeln und seinen Aufstieg zum Erfolg als ernstzunehmende Funke-Kraft. Auf Interviewfragen antwortet er häufig mit Melodien und Bewegungen, um seine Gedanken und Erfahrungen auszudrücken, und zeigt seinen charakteristischen energiegeladenen Funk-Geschmack nicht nur in seiner Musik, sondern in seiner gesamten Art zu sein.

Sie haben als Künstler mit Live-Auftritten zunächst in Havanna und dann in den USA und international an Boden gewonnen. Gibt es etwas an der Live-Musikszene in Havanna, das Ihrer Meinung nach in Ihrer eigenen Präsentation zum Ausdruck kommt?

Ja natürlich. Alles an der Live-Musikszene in Havanna hat mich inspiriert. Irgendwann gründeten einige Freunde und ich eine Band und wir waren in Havanna und reisten. Wir haben angefangen, die Bands in der Hauptstadt zu sehen, und ich habe mich darin verliebt.

Ich habe auch verstanden, wie man die Live-Show in Kuba entwickelt, weil man dort ein Publikum hat, das sich mit kultureller Musik in- und auswendig auskennt; Sie wissen genau, wo und wie Sie spielen. Als Kinder haben wir exzellenten Musikern zugehört, und wir werden damit geboren, Musik nicht nur im Radio, sondern auch auf der Straße usw. zu hören. Wenn man also [dort] spielt, muss man es wirklich richtig machen; Man muss verstehen, was die Menschen brauchen und was nicht. Gleichzeitig ist das Einzige, was du den Menschen wirklich geben kannst, du selbst zu sein und Spaß zu haben.

Ich habe von allen dort [in Havanna] gelernt, besonders durch die Live-Shows. Meine wichtigste „Schule“ war dort die Live-Performance. Irgendwann wurde mir klar, dass die Live-Show meine Domäne ist, dass die Live-Show „die Waffe“ ist. Diese Erkenntnis war ein Moment des Bewusstseins darüber, wie ich mich weiterentwickeln kann.

Sind Sie in einem musikalischen Umfeld aufgewachsen? Wie war Ihr häusliches Umfeld?

Als Kind hatte ich immer eine Verbindung zur Musik. Ich sang im Chor einer Baptistenkirche, wohin meine ganze Familie ging. Nach der High School lebte ich in einer Schule und sang auf allen Partys.

Ich fing an, Reggaetón zu singen [was damals in Kuba gerade erst in Gang kam], weil es „die Szene“ für die Mädchen war.

Ich bin auch mit viel Musik in meinem Zuhause aufgewachsen. Schon als Kind, das im Wald ohne Internet oder CD-Zugang lebte, hörte ich Stevie Wonder und Madonna, weil mein Onkel ein Auto und einen Kassettenrekorder im Auto hatte. Meine Mutter unterrichtete Englisch, deshalb liebte sie diese Musik auch.

Wir hatten eine große Familie. Wir tanzten immer im Haus und jeden Sonntag tanzten wir – Salsa und andere Arten. Jeder liebte Musik und wir hörten alle den ganzen Tag Musik. In jedem Haus würden irgendwann viele Arten von Musik gespielt – mexikanische Musik, Reggaetón, Lionel Richie oder Michael Jackson, das war meine Lieblingsmusik. Außerdem Los van van und alle traditionellen und beliebten Bands aus Kuba wie Charanga Habanera. Wir hatten eine große Vielfalt an Musik, weil wir viele Leute waren.

Sie bezeichnen Ihre Band als „La Tribu“ (der Stamm). Kannst duTErzähl mir mehr über deine Beziehung zu ihnen und warum du sie einen „Stamm“ nennst?

Wir sind neun Leute und jeder ist ein besonderer Charakter. Die Bandmitglieder sind alle wirklich gute Musiker. Wir sind wie eine Familie; Wir verbringen mehr Zeit miteinander als unsere eigene Blutsfamilie. Wir haben gesunde Beziehungen aufgebaut. Wir feiern die ganze Zeit. Wir machen immer Witze, haben einfach Spaß, fühlen uns gut und verbreiten dieses Glück. Wir haben diese besondere Atmosphäre. Das spürt das Publikum und die Live-Show ist deshalb wirklich gut. Der Groove sagt dir die Wahrheit!

Sie haben gerade Ihre zweite Tournee mit der Präsentation Ihres zweiten Albums „El Alimento“ beendet. Was ist an diesem Album anders als an Ihrem ersten Album, Terapia aus dem Jahr 2017?

Es gibt Ähnlichkeiten in meiner Philosophie, nämlich Liebe deinen Körper und deine Art zu sein. Liebe dich selbst, genieße es und feiere mit ihm – deinem Fleisch und deiner Seele. Ich denke, der Unterschied liegt in der Qualität. Mit dem Produzenten des zweiten Albums, Jack Splash, habe ich ein wirklich gutes Team gebildet. Aber die beiden Alben sind beide etwas Besonderes; das eine ist nicht besser als das andere.

Das Essen ist für einen GRAMMY Award als bestes Latin-Rock- oder Alternative-Album nominiert; Wie sehen Sie sich und Ihre Musik in dieser Kategorie widergespiegelt?

Wenn du ein Album machst, sagst du: „Das wird Rock oder Salsa.“ Aber für mich ist es schwierig, weil dieses Album alles in sich trägt.

Wenn man zum Beispiel „Funk Aspirin“ hört, ist es wie ein Acid, es ist schwer, man kann den Rock and Roll dort spüren.

Haben Sie Ihre Musik schon immer als „alternativ“ definiert?

Ich erinnere mich, dass einige Freunde vor langer Zeit – im Jahr 2019 oder 2018 – danach gefragt haben. Und ich sagte, ursprünglich wollte ich nicht, dass es „alternativ“ ist, aber am Ende ist es so.

Ich bin nicht zu 100 Prozent mit dem Konzept einverstanden, als Musikstil definiert zu werden. Jeder hat seine eigene Stimmung und eine andere Art, über den Groove zu sprechen, und ich mache es auf meine Art. Mein Weg ist auch alternativ. Ich versuche immer, Sound und Groove zu vermischen.

Gibt es wichtige Erlebnisse, die Ihnen in Erinnerung geblieben sind und die Ihnen dabei geholfen haben, als Künstler in Kuba Fuß zu fassen?

Zuerst habe ich Medizin studiert … Ich bin immer mit der Einstellung aufgewachsen, dass ich ein guter Fachmann sein muss, jeder in meiner Familie hatte diese Mentalität.

Aber ich war nach Havanna gereist und hatte dort die Live-Musikszene erlebt. Die Atmosphäre dort war superaktiv – viel Musik, ein bisschen Hippie-Flair, kombiniert mit einem Rap-Groove. Alle waren super freundlich.

Ich ging zurück in meine Heimatstadt [in Pinar Del Rio] und saß dort und hörte meinem Professor im Krankenhaus zu, und ich hatte das Gefühl, dass meine Gedanken nicht hier an diesem Ort wären.

Irgendwann zog ich nach Havanna, um mich der Musik zu widmen. Ich war zwei Jahre lang allein und habe Musik gemacht, aber auch andere Jobs erledigt – Autos lackiert, geputzt und alles getan, um an Geld zu kommen. Ich lebte bei Freunden und meiner Familie, um für das Nötigste zu bezahlen. Aber nach zwei Jahren wachte ich auf und dachte, ich hätte das satt, ich muss eine Lösung finden, weil ich nicht weiter warten kann. Das ist es, was ich Kindern jetzt sage: Warten Sie nicht, bis jemand zu Ihnen kommt oder auf ein Etikett wartet. Warte nicht auf irgendjemanden. Mach einfach dein Ding. Niemand wird dich holen, wenn du nicht weißt, wie du deinen eigenen Weg findest.

Gab es in Havanna bestimmte Musiker, die Sie in dieser Zeit betreut oder angeleitet haben?

[Als ich in Havanna war] fand ich heraus, wo das Haus dieses großen Musikers, Raul Paz, war, der aus meiner Heimatstadt stammt. Ich dachte, wenn ich um Hilfe bitten würde, würde ich jemanden aus meiner Heimatstadt bitten.

Also ging ich hinauf und sagte: „Ich komme aus deiner Heimatstadt“, und er sagte: „Ich esse mit der Familie zu Mittag, komm in 15 Minuten zurück.“ Als ich zurückkam, aß er immer noch mit der Familie. Aber er sagte, komm ins Studio hinter seinem Haus. Ich habe ihm einige meiner Lieder auf der Gitarre vorgespielt. Er sagte: „Du hast gute Songs, Bruder. Einen dieser Songs kann ich auf ein Album bringen.“ Und ich sagte: „Das interessiert mich nicht zu 100 Prozent; ich interessiere mich am meisten für die Arbeit. Ich brauche so schnell wie möglich Geld.“

Also sagte er, er brauche jemanden für eine große Show in einem der größten Theater Kubas, dem Karl-Marx-Theater. Er erzählte mir, dass wir zwei Wochen lang mit einigen anderen Musikern proben würden. Die Show bestand ausschließlich aus Schwarzen. Alle trugen Anzüge und waren superelegant gekleidet, aber ich hatte keine Kleidung. Ich trug eine kaputte Jeans, die mir meine Schwester geschenkt hatte und die super eng war. Ich hatte eine große weiße Brille und weiße Schuhe. Es sah alles aus wie lateinamerikanische Zuhälterklamotten. [Lacht.]

Wie auch immer, sie haben diese Sendung im ganzen Land live im Fernsehen gezeigt, sodass mich in diesem Moment jeder gesehen hat. Das Publikum hielt mich im Gedächtnis, weil ich anders gekleidet war und eine abgefahrene Ausstrahlung hatte. Nach dieser Gelegenheit begann alles zu geschehen. [Raul] hat mich unter seine Fittiche genommen. Auch jetzt mache ich weiter, was ich mit ihm gemacht habe: Ich versuche, einen direkten Kontakt zu finden. Ich denke, das ist, wer ich bin. Wenn es dir gefällt, lass uns Kontakt aufnehmen.

Wie hat dich die Funkmusik in Kuba beeinflusst? Was hat es Ihnen auf Ihrem Weg beigebracht?

Dass man „kämpfen“ muss und auch, wie man ein Meister der Improvisation wird … Es ist wie bei Salsa-Bands in den 90ern – all diese großen Leute jammen, improvisieren – kämpfen.

Das habe ich bei [der Havanna-Funkband] Interactivo gelernt, wie man den Groove entwickelt und sich frei macht, um alles auszudrücken, was ich gerade fühle. Und auch, wie jeder seinen Teil dazu beiträgt.

Wie bist du dazu gekommen, Funk und afro-kubanische Rhythmen zu vereinen? Was bedeutet diese Verbindung für Sie?

Schwarze Musik. All diese Informationen brachten unsere Vorfahren mit und brachten sie an verschiedenen Orten zum Ausdruck. Schwarze Wurzeln, für mich ist es das. Wir kamen als Sklaven hierher – meine Vorfahren, und sie gaben dem Kontinent Musik, Liebe, Stimmung und Energie.

Und das war auch die Inspiration für Ihren Namen?

Meine Großeltern haben darunter mehr gelitten als ich. Sie sind mit der Vorstellung aufgewachsen, dass wir schwarz gebildete Menschen mit Geld, einem guten Leben, guter Kleidung, sauber, gut riechend, anständig – stolz sein müssen. Ich begann, mich in und durch die Musik damit und mit mir selbst auseinanderzusetzen. Ich begann so viel von dem Schmerz zu spüren, den meine Großeltern empfanden, aber auch so viel Liebe für uns und für mich selbst. Dann fing ich an, mich zu verändern.

Für mich war der Cimarrón das Äquivalent der neuen afro-kubanischen Art zu sein und über Musik, Kultur, Sport usw. zu kommunizieren. [Historisch gesehen] war der Cimarrón eine stolze schwarze Person. Er hatte nicht das Gefühl, ein Sklave zu sein. Stattdessen sagte er: „Ich bin ein König“, also taten sich die Cimarrónes zusammen und gründeten ein Dorf. Sie sangen und tanzten auf unterschiedliche Weise, sprachen in einer anderen Sprache. Gemeinsam bauten sie eine neue Gesellschaft auf.

Für mich ist „Cimafunk“ eine neue Lebensart, in der man stolz darauf ist, man selbst sein zu können. Sie werden nicht daran zweifeln, dass Sie erfolgreich sein werden. „Cima“ stammt also von diesem Cimarron-Erbe und „Funk“ von der Funkmusik, die ich liebe.

Ich habe gehört, dass Sie behaupten, in Ihrer Musik gehe es mehr um Feiern und Freude als um Politik. Doch glauben Sie, dass Ihre Musik indirekt die USA und Kuba verbindet, weil Ihre Musik afrokubanische Rhythmen und afroamerikanischen Funk kombiniert?

Dieser Zusammenhang ist nicht indirekt. Dieser musikalische und kulturelle Austausch zwischen unseren beiden Ländern gab es schon immer.

Ich bin Kubanerin und ich bin so glücklich, eine afro-lateinamerikanische Person und Künstlerin zu sein. Ich bin wirklich stolz, das in meinem Leben zu haben. Es ist viel Kraft, Rhythmus und Groove. Aber in meiner Musik geht es nicht nur darum, „den Abend zu genießen“. Es geht darum, dich als Person zu genießen.

Ich habe gehört, dass Sie sich auf Fela Kuti beziehen und sagen: „Musik ist die Waffe.“ Wie kommt diese Philosophie bei Ihnen im Hinblick auf die Verbindung zwischen den USA und Kuba an?

Musik ist die Waffe. Aber die Waffe ist nicht zum Verletzen da. Die Waffe ist etwas, um sich selbst zu heilen. Das ist es, was Fela aus meiner Sicht sagen wollte: Bei Musik geht es um Liebe, Spaß, Vergnügen und Revolution. Diese Erfahrung mit Kunst müssen Sie selbst herausfinden. Du musst dich zuerst um dich kümmern. Das ist Musik für mich. Musik hat mich gerettet. Es hat mich aus dieser schwierigen Situation herausgeholt. Aber als die Musik mir den Groove gab, änderte sich alles.

In welche Richtung sehen Sie, dass sich Ihre Musik in Zukunft entwickeln wird?

Seit ich angefangen habe, wächst alles und das ist ein gutes Gefühl. Angesichts der Stimmung, an der wir gerade arbeiten, brennt jeder [in meinem Team]. Die Zukunft wird also schön sein, mit guten Leuten und viel Spaß.

Ich möchte weiterhin verschiedene Musikstile erkunden, insbesondere den Groove. Ich werde weiterhin mit den Rhythmen, dem Wissen und der Stimmung spielen, ohne die Seele zu töten.

GRAMMY-Nominierungen 2023: Siehe die vollständige Nominierungsliste

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Lassen Sie sich nicht über den Snare-Sound und das Fehlen von Gitarrensolos ärgern, und „St. „Anger“ klingt nach einem erfrischenden Neustart mitten in der Karriere für Heavy-Metal-Leute.

Seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2003 gibt es ein beständiges (klingendes) Geschwätz über Metallicas St. Anger.

Der weltfremde Snare-Sound – den Bassist und Produzent Bob Rock nach eigenen Angaben etwa 15 Minuten lang erschaffen hat – ist von zentraler Bedeutung für den St. Anger-Diskurs; Eine Google-Suche nach „Metallica St. Anger Snare“ liefert etwa 661.000 Ergebnisse. Warum haben die achtfachen GRAMMY-Gewinner Gitarrensolos ungewöhnlicherweise unterlassen? Diese Frage führt zu Millionen von Treffern.

Dann ist da noch der Dokumentarfilm „Some Kind of Monster“ aus dem Jahr 2004, eines der unangenehmsten und aufschlussreichsten Porträts einer Rockband, die in einer Midlife-Crisis steckt. Es gibt viele denkwürdige Momente, aber allein schon wegen einer einzigen Szene – der mittelerdisch aussehende Vater des Schlagzeugers Lars Ulrich hört einen Take und sagt seinem Sohn, er solle „das löschen“ – ist der Film ein Muss.

Angesichts des kontroversen Status, den St. Anger erlangt hat, könnte es so aussehen, als ob die Metal-Community es, nun ja, löschen möchte. Auch wenn Ihr Erfolg variieren kann, sollte dieses heiß diskutierte Album nicht in den Mülleimer des Internet-Schnäppchens geworfen werden.

Beim Hören mit dem Vorteil der zeitlichen Distanz klingen Titel wie „Frantic“, „Some Kind of Monster“ und „The Unbenannte Feeling“ roh und lebendig – vielleicht aus ihrer Zeit, angesichts ihrer Nähe zum damals aufsteigenden Nü Metal. Letztendlich erwecken sie eher das Gefühl eines Neustarts als einer Kapitulation vor Trends.

Heute scheint sich St. Anger weniger an dem Ruf zu orientieren, den es aufgebaut hat, als vielmehr an Rocks Charakterisierung der Sache: „Für mich klingt dieses Album wie vier Jungs in einer Garage, die zusammenkommen und Rocksongs schreiben. Dafür war wirklich keine Zeit.“ Holen Sie sich erstaunliche Leistungen von James. Uns gefielen die rohen Leistungen … wir haben es einfach gemacht, bumm, und das war’s.“

Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums von St. Anger gibt es hier fünf Fakten zum Album.

Im Jahr 2001 hatte Metallica seit fast fünf Jahren, seit Reload aus dem Jahr 1997 (ein Nachfolger des Vorjahres-Albums Load), kein Album mit Originalmaterial mehr veröffentlicht.

Während diese Sessions wegen persönlicher Umwälzungen unterbrochen wurden und Frontmann James Hetfield sich auf den Weg in die Reha machte – und die Band später ihre Arbeit in einem neuen Studio in San Rafael, Kalifornien fortsetzte – passte dieses sachliche Setting zur ungeschminkten Qualität der Musik.

Newsted war nach dem tragischen Tod von Cliff Burton im Jahr 1986 der zweite Bassist von Metallica. Newsteds Abschied erfolgte in dem Monat, in dem sie mit St. Anger begannen, was den Fortschritt am Album destabilisierte.

„Aus privaten und persönlichen Gründen und wegen des körperlichen Schadens, den ich mir im Laufe der Jahre zugefügt habe, während ich die Musik spielte, die ich liebe, muss ich mich von der Band zurückziehen“, sagte Newsted in einer Erklärung. „Das ist die schwierigste Entscheidung meines Lebens, die ich im besten Interesse meiner Familie, mir selbst und dem weiteren Wachstum von Metallica getroffen habe.“

Wie Hetfield es ausdrückte, war St. Anger ein Ventil, um starken psychologischen Druck abzubauen.

„Hier steckt eine Menge Leidenschaft. Darin stecken zwei Jahre verdichteter Emotionen“, sagte er damals gegenüber der Zeitschrift Metal Edge. „Wir haben viele persönliche Veränderungen, Kämpfe und Offenbarungen durchgemacht, es ist tiefgreifend. Es ist textlich und musikalisch so tiefgründig … Es ist so schwer, darüber zu sprechen, man muss es wirklich hören.“

Dementsprechend ist St. Anger geradezu eindringlich – und zwei Jahrzehnte lang haben diese scharfen Kanten nicht abgeschliffen.

Während Produzent Bob Rock die Bassparts auf St. Anger aufnahm, war er instrumental beteiligt

würde sich als vorübergehend erweisen; Robert Trujillo kam im Februar 2001 als Bassist zu Metallica.

Trujillo spielte auf allen folgenden Metallica-Alben mit, darunter „Death Magnetic“ aus dem Jahr 2008, „Hardwired… to Self Destruct“ aus dem Jahr 2016 und „72 Seasons“ aus dem Jahr 2023 – die alle von der Kritik positiv aufgenommen wurden – und ist nun der dienstälteste Bassist bei Metallica.

Während einige zeitgenössische Kritiker St. Anger als alles Mögliche bezeichneten, von „einem gottlosen Durcheinander“ bis hin zu „mehr verarbeitet als Katzenfutter“, beschrieb es nicht jeder so.

Allmusic nannte es ein „strafendes, unerschütterliches Dokument des inneren Kampfes“; Rolling Stone sagte: „Die Wut von St. Anger hat eine Authentizität, die keiner der Rap-Metal-Anhänger der Band erreichen kann.“

Was die Band selbst angeht, scheinen sie St. Anger mit allem Drum und Dran akzeptiert zu haben.

„Es gibt Dinge, die ich an einigen Platten gerne ändern würde, aber es gibt ihnen so viel Charakter, dass man sie nicht ändern kann“, sagte Hetfield 2017. „St. Anger könnte etwas weniger Blech-Snaredrum gebrauchen, aber.“ Diese Dinge machen diese Aufzeichnungen zu einem Teil unserer Geschichte.

Unerschütterlich, gewagt und ungeschliffen ist „St. Anger“ eines der ultimativen „Line in the Sand“-Alben in der Geschichte der Heavy-Musik. Was auch immer Ihre Meinung zu diesem hässlichen Entlein-Eintrag ist, nehmen Sie sein 20-jähriges Jubiläum zum Anlass, seine Wut mit frischen Ohren noch einmal zu betrachten.

Wie viele GRAMMYs haben Metallica gewonnen? Vor dem neuen Album „72 Seasons“: 6 Fragen beantwortet

Photo: Rob Schanz

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Auf seiner Reise um die Welt steht River Shook, Leadsänger von Sarah Shook & the Disarmers, vor einem brennenden Dilemma: eine qualitativ hochwertige Banane zu finden.

In der typischen Manier tourender Rockstars bevorzugt River Shook, Leadsänger von Sarah Shook & the Disarmers, eine Auswahl an Obst und Gemüse: Hummus, Babykarotten, Babypaprika und Salsa. „Es ist schön, ein paar Snacks zu haben, die eine Weiterentwicklung der Tankstellensnacks darstellen“, sagt Shook in dieser Folge von Herbal Tea & White Sofas.

Das am schwierigsten zu findende gesunde Lebensmittel sind jedoch Bananen, wie Shook verrät: „Meiner Erfahrung nach sind die Bananen halb roh, grün und halb viel zu reif. Ich weiß nicht, wie Tankstellen das machen, weil ich es noch nicht erlebt habe.“ das woanders.

Sarah Shook & the Disarmers legen nicht nur Wert auf saubere Essgewohnheiten, sondern achten auch darauf, jeden grünen Raum mit größtem Respekt zu behandeln.

„Wir spielten einfach irgendwo mit einem besonderen Hinweis in der Tourdokumentation, der lautete: ‚Kein unangemessenes Verhalten hinter der Bühne‘“, erzählt Shook. „Und wir dachten: ‚Was? Was machen die Leute hier? Ich will es nicht wissen. Mir geht es gut.‘“

Der wichtigste Aspekt des Tourens für Shook ist bei allem, dass sie ihr authentisches Selbst zeigen können. „Selbst die ältesten Songs, die wir noch spielen, sind für mich so persönlich, weil sie aus meiner Lebenserfahrung stammen [...] Die Verbundenheit der Band spiegelt sich in unserer Musik und unseren Live-Auftritten wider.“

Klicken Sie im Video oben auf „Play“, um mehr über River Shooks Tour-Lebensstil zu erfahren, und schauen Sie noch einmal auf GRAMMY.com vorbei, um weitere neue Folgen von Herbal Tea & White Sofas zu sehen.

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