Gambits Leitfaden zum French Quarter Fest 2023

Es ist Zeit für das French Quarter Fest! Als eines der größten Musik- und Kulturevents des Jahres feiert das Festival dieses Jahr sein 40-jähriges Jubiläum mit einem prall gefüllten Line-up der besten Musiker aus New Orleans und Louisiana. Auf seinem Höhepunkt am Samstag und Sonntag wird das Festival auf rund 20 Bühnen verteilt sein. Das ist eine Menge Musik, und selbst der am meisten vernetzte Jazz-Vater würde Schwierigkeiten haben, herauszufinden, was er sehen soll.

Zum Glück für Sie hat unser erstklassiges Autorenteam – zusammen mit der Unterstützung der Youngins von JRNOLA – Vorschauen einiger der besten Acts zusammengestellt, die während der viertägigen Laufzeit des Festivals auftreten werden, sowie einen Überblick über neue Restaurants, die dies getan haben seit letztem Jahr im Viertel eröffnet und mehr!

Das French Quarter Festival bietet viel Musik und Essen, aber nach dem Festival gibt es noch mehr zu entdecken. Es gibt neue Restaurants und Bre…

Kermit Ruffins

Kermit Ruffins spielt nicht nur New Orleans Jazz. Er ist New Orleans Jazz. Vom ersten Atemzug an bläst er bei jedem Auftritt in seine Trompete, Musik und Musiker sind eins.

Der Tonumfang, den er spielt, gehört zu den am schwersten zu erreichenden, und die schnellen Wechsel von Note zu Note zeigen Ruffins‘ Beweglichkeit, während seine Finger lebhaft von einem Ventil zum nächsten springen.

Ruffins zieht Menschenmassen an, egal wohin er geht. Er wurde als „moderner Louis Armstrong“ bezeichnet, ein Titel, der ihn 2007 aus unserem südlichen Stiefel ins Weiße Haus führte. Ob quer durch das Land oder nur die Straße runter, Ruffins‘ charakteristischer Ruf lautet: „Alle einsteigen!“ lädt sein Publikum ein, sich auf eine erfrischende Reise durch den Jazz zu begeben, die keine Zugfahrt wiederholen könnte. — Sinclair McKinney

Johnny Sketch und die Dirty Notes sind fester Bestandteil der Musikszene von New Orleans und bekannt für ihre charakteristische Mischung aus Funk und Rock. Unter der Leitung des langbärtigen Marc Paradis (alias Johnny Sketch) wurde die Gruppe vom Rolling Stone als „Was man bekommen würde, wenn Phish bei Tipitina geboren worden wäre und bei George Clinton und Frank Zappa studiert hätte“ beschrieben.

Die Gruppe wurde 2001 gegründet und ihre langjährige Kameradschaft ist ansteckend. Vor allem möchten sie, dass ihr Publikum wirklich Spaß hat, und das ist praktisch garantiert – Gabrielle Korein

Seit mehr als drei Jahrzehnten spielen Chubby Carrier und The Bayou Swamp Band ihre Art klassischer Zydeco-Musik. Als Zydeco-Künstler der dritten Generation ist Carriers Familie tief in den Traditionen von Zydeco verwurzelt, und seine Cousins ​​Bebe und Calvin Carrier, sein Vater Roy und sein Großvater Warren gelten alle als Legenden in der Geschichte von Zydeco.

Aber Chubby ist selbst ein Schwergewicht. Im Jahr 2010 gewannen Chubby Carrier und The Bayou Swamp Band einen Grammy für ihr Album „Zydeco Junkie“. — Gabrielle Korein

Ernie Vincent ist ein Meister des R&B und Funk, dessen Karriere sich über fünf Jahrzehnte erstreckt. Vincent stammt aus Süd-Louisiana und seine Karriere nahm in den 1960er Jahren Gestalt an, als er begann, mit Legenden wie Ernie K-Doe Musik zu machen. Er wurde zu einer festen Größe in Musikclubs in New Orleans, Acadiana und im Mississippi-Delta, bevor er in den 70er Jahren The Top Notes gründete, und seine Fähigkeiten als Autor, Instrumentalist, Arrangeur und Musikwissenschaftler brachten ihm einen Platz in der Louisiana Music Hall of Fame ein im Jahr 2012. Im Januar veröffentlichte Vincent „Original Dap King“, ein 10-Track-Album, das Elemente aus Blasmusik, Blues, Rock and Roll und Psychedelia enthält. Der Titel des Albums ist eine Anspielung auf seinen Hit „Dap Walk“ aus dem Jahr 1972. — Gabrielle Korein

Das Leben der Singer-Songwriterin Lilli Lewis dreht sich seit ihrer Kindheit in Athens, Georgia, um Musik. Lewis' Musik basiert auf R&B, Gospel, Jazz und Funk und beschäftigt sich mit einer Reihe von Themen. Wie bei vielen klassischen Protestmusikern der 1960er und 1970er Jahre liegen ihr eindeutig soziale Gerechtigkeit und Menschenrechte am Herzen.

Aber das ist nicht der einzige Ort, an dem Lewis‘ Aktivismus sichtbar wird. Lewis hat ihre Plattform genutzt, um sich zu verschiedenen Themen zu äußern, darunter Rassismus, Sexismus und Homophobie in der Americana-Industrie. — Gabrielle Korein

Der aus New Orleans stammende Paul Sanchez ist vielleicht am besten als Gründer der langjährigen Rockgruppe Cowboy Mouth bekannt, obwohl er die Gruppe schon vor langer Zeit verlassen hat, um sich auf sein Solo-Songwriting zu konzentrieren. Er trat auch als er selbst in der HBO-Show „Treme“ auf. Obwohl er im Herzen ein Rock'n'Roller ist, ist Sanchez' Musik philosophisch und spiegelt seine Erfahrungen in New Orleans wider, einschließlich des Überlebens des Hurrikans Katrina. Ein Großteil seiner Musik ist eine Hommage an das Leben hier, aber er scheut auch nicht vor den dunklen Zeiten zurück. — Gabrielle Korein

Die Cajun-Folk-Rock-Gruppe Babineaux Sisters Band wurde im letzten Jahrzehnt zu einem festen Bestandteil der Festivalszene in Louisiana und spielte ihre eigene Cajun-Musik. Unter der Leitung der Schwestern Julie und Gracie ist die Band Teil der modernen Bewegung in Acadiana, die nicht nur die Cajun-Musik, -Sprache und -Kultur bewahrt, sondern ihre Traditionen auch auf neue Weise angeht. Die Reichweite der Band reicht über die Golfküste hinaus – ihre letzte Platte, „He's One of Those“, erreichte Platz 3 der iTunes Contemporary Country-Charts. — Gabrielle Korein

Die Iguanas sind seit über zwei Jahrzehnten ein fester Bestandteil der Musik von New Orleans. Die in den 1990er Jahren gegründete Gruppe lässt sich von einer Vielzahl von Genres inspirieren, darunter Blues, Jazz, New Orleans R&B und sogar von der Musik der Grenze zwischen Mexiko und Texas. Die neueste Single der Gruppe, „My Everything“, erschien 2022 und wurde von Alex McMurray, einem ebenfalls aus New Orleans stammenden Singer-Songwriter, geschrieben. Ihre Musik erschien in Fernsehsendungen wie „Treme“ und „The Wire“ von HBO sowie in Filmen wie „Varsity Blues“. — Gabrielle Korein

Jeffery Broussard und die Creole Cowboys

Die Sängerin und Pianistin Anaïs St. John wird von musikalischen Ikonen aus mehreren Jahrzehnten beeinflusst, von Etta James über Eartha Kitt bis hin zu Donna Summer.

Sie wurde sowohl in der Oper als auch im Musiktheater ausgebildet und integriert auch Blues, Jazz, Disco und Gospel in ihr Repertoire.

„Es ist definitiv eine gemischte Mischung“, sagt sie.

Die gebürtige New Orleanserin wurde von ihrer Mutter großgezogen. St. Johns Vater war die verstorbene Avantgarde-Jazz-Pionierin Marion Brown, und sie sagt, sie erinnere sich daran, als Kind „jedem Chor beigetreten zu sein, in den ich kommen konnte“.

„Ich habe das Gefühl, dass sein Einfluss auf mein Leben in seiner DNA verankert ist“, sagt sie.

Vor mehr als 25 Jahren nahm sie ihren ersten Job als Sängerin im New Orleans Opera Chorus an, brach jedoch diesen Weg ab und begann im ehemaligen Kabaretttheater Le Chat Noir aufzutreten. Dort lernte sie den Komponisten, Pianisten und Puppenspieler Harry Mayronne kennen und die beiden Kabarettbegeisterten wurden schnelle Freunde und Mitarbeiter.

St. John ist auch ein fester Bestandteil lokaler Hotels und gehobener Restaurants. Sie tritt jeden Samstagabend im Bombay Club des French Quarter auf. Und sie bringt ihre innere Disco-Königin zum Ausdruck mit einer Hommage an Donna Summer, die sie am 16. Juni nach Bay St. Louis, Mississippi, bringen wird.

Obwohl sie auf der ganzen Welt aufgetreten ist – unter anderem beim Ascona Jazz Festival in der Schweiz und anderen internationalen Festivals – freut sie sich darauf, hier zu Hause vor einem großen Publikum zu spielen.

„Mir gefällt, dass beim French Quarter Festival vor allem lokale Musiker dabei sind“, sagt sie. „Ich möchte immer die Leute unterstützen, die hier arbeiten und vorgestellt werden, weil sie auf nationaler Ebene nicht genug Aufmerksamkeit bekommen. Die großen Namen schon, aber so viele andere [Talente] nicht. Und das ermöglicht es ihnen, zu glänzen, und.“ Es gibt uns die Chance, zu glänzen und unseren Leuten die Chance zu geben, sie ohne ein sehr teures Ticket zu sehen.“

Das Publikum könne bei ihrem Set eine energiegeladene und „typische“ Mischung aus Hits erwarten, sagt sie.

„Es wird eine hüftschwingende Tanzshow“, sagt sie. „Es ist für jeden etwas dabei.“ — Sarah Ravits

Ja, Georger Porter Jr. ist der ehemalige Bassist und Songwriter von The Meters, Träger eines Grammy-Preises für sein Lebenswerk. Ja, sie lösten sich 1977 auf und kamen in späteren Jahren sporadisch wieder zusammen. Ja, er ist 75 Jahre alt. Aber wahrscheinlich möchte er Sie auch wissen lassen, dass er seine eigene, in New Orleans verwurzelte Musik hat.

Seine Geschichte umfasst Auftritte mit Legenden wie Dr. John, Paul McCartney und Patti LaBelle sowie Auftritte im linken Feld mit Jimmy Buffett, David Byrne und Tori Amos.

Aber Porter, der im 13. Bezirk geborene Musiker, mischt Funk, R&B und Soul und hat nicht vergessen, was Musik für New Orleans bedeutet. Sein während der Pandemie aufgenommenes Lied „Crying for Hope“ erzählt die Geschichte der Black Lives Matter-Bewegung in einer Stadt, die ihre Mitmenschen immer wieder im Stich lässt.

Aber die Klassiker spielen immer noch in seinen aktuellen Sets. „Mardi Gras Mambo“ könnte zusammen mit Al Johnsons „Carnival Time“ erscheinen, nur um Sie an die Freude trotz des Schmerzes zu erinnern, den die Stadt empfindet. Porter ist eine der Legenden, die die Musik geschaffen haben, an die man denkt, wenn man an New Orleans Funk denkt. – Diakon Lawson

Von Sänger Alexis Marceaux selbst als Band „alberner Gänse“ beschrieben, wurde Sweet Crude ursprünglich dazu inspiriert, sowohl auf Englisch als auch auf Cajun-Französisch zu singen, um den verschwindenden Dialekt wiederzubeleben.

Die 2013 gegründete Indie-Folk-Rock-Band hat zwei Alben in voller Länge veröffentlicht, und ihr zweites, „Officiel//Artificiel“ aus dem Jahr 2019, markiert ihr Major-Label-Debüt nach der Unterzeichnung bei Verve Forecast.

Wenn es um Auftritte geht, sind Live-Shows für Marceaux die Lieblingsbeschäftigung. „Ich gehe in meine eigene kleine Welt und die Menge ist wie ein Energiestrahl, der auf mich zukommt“, sagt sie.

Dieser Strahl ist jedoch ein wechselseitiger Austausch.

Sweet Crude ist für seine energiegeladenen und improvisatorischen Sets bekannt und verwandelt seine Cajun-Geschichtsstunde in eine moderne, lebendige Darbietung, die ihre Fans zum Leuchten bringt. Und dieser Geist wird bei Open-Air-Festivals wie dem French Quarter Fest und dem Jazz Fest noch verstärkt.

„Es fühlt sich anders an als bei den Clubshows“, sagt Marceaux. „Es ist aufregend und das Publikum ist direkt bei uns.“ — Finn Galarneau

In ihrer leidenschaftlichen und reichen Musik, ob alt oder neu, wird deutlich, dass New Orleans in der Blutlinie der Dollis verwurzelt ist. Sänger Bo Dollis Jr. veröffentlichte 2013 seine erste Platte als Big Chief of the Wild Magnolias und übernahm damit die Nachfolge seines Vaters, des verstorbenen Big Chief Bo Dollis Sr.

Die Gruppe tritt seit über 50 Jahren in New Orleans auf und ihre Bühnenpräsenz reicht aus, um jede Seele weit über ein halbes Jahrhundert hinaus zu erwecken. In der traditionellen Mardi Gras-Indianerkleidung bringen die Wild Magnolias mit ihren hellen, lebhaften Darbietungen die zweite Linie in den Mittelpunkt.

Ihre Songs wirken oft wie eine Jam-Session, allerdings untermalt von einem aufwändig koordinierten Stimmenchor. Ihre Interpretation von Al Johnsons Mardi-Gras-Hit „Carnival Time“ entlockt den Zuschauern Pfiffe und Rufe und singt die Melodie: „Es ist Karnevalszeit, und alle haben Spaß.“ Schließlich wird jeder bei einer Wild Magnolias-Show, von der Band selbst bis zum faszinierten Zuhörer, Spaß haben. — Maya-Schilde

Jeffery Broussard und die Creole Cowboys verleihen dem modernen Zydeco Seele, einem Genre, das die vielfältigen indigenen Kulturen Louisianas widerspiegelt. Die Verbindung von West- und Südkreolisch zwischen Broussard und den Cowboys ergibt eine Mischung aus Blues, Country, Cajun und indianischer Musik.

Die lebhaften Melodien der Band verweben emotionale französisch-kreolische Texte zwischen Seufzern des Akkordeons, rostigen Kratzern eines Rubbelbretts und einer schnell gestrichenen Geige. Broussards raue, sehnsüchtige Stimme führt die Crew und entführt seine Zuhörer in eine Bayou-Oase der Schöpfung seiner Band. Eine schwierige Kindheit lehrte Broussard die Transportfähigkeit der Musik.

Mit einem Auftritt beim French Quarter Fest und unzähligen Auftritten beim Jazz Fest ist Broussard kein Unbekannter auf der Bühne von New Orleans. Wenn Sie dieser Gruppe beim Auftritt zusehen, werden die Absätze Ihrer Cowboystiefel im Takt mitklopfen und Ihr Strohhut auf Ihrem nickenden Kopf wippt. — Sinclair McKinney

Die Hill and Andrews-Dynastie angesehener Jazz- und R&B-Musiker wird mit James Andrews fortgeführt, einem gebürtigen New Orleanser, dessen Musik seinen Grundwerten genauso nahe steht wie die Stadt.

Andrews kehrte nach Katrina schnell zurück, um in einem örtlichen Park aufzutreten und zur Wiedervereinigung der Gemeinschaft beizutragen. Er sagte, dass die Stadt gemeinsam „Note für Note“ wieder aufgebaut werden würde.

Andrews trat in verschiedenen Bands auf, darunter der Treme Brass Band und der New Birth Brass Band.

Auf der Bühne rockt Andrews zum Klang seiner eigenen Stimme, und seine Aura lässt nach, während er jedes Wort singt. Die klaren Töne seiner Trompete hallen in jedem Raum wider, in dem er spielt, eine musikalische Majestät, die ihm den Spitznamen „Satchmo of the Ghetto“ einbrachte. — Sinclair McKinney

Die Original Pinettes Brass Band

Chanteuse Meschiya Lake liefert dynamische, charismatische Auftritte mit den Little Big Horns. Die Gruppe ist ein traditionelles Jazz-Ensemble, das einige moderne musikalische Elemente einfließen lässt.

„Es ist traditioneller New-Orleans-Jazz, aber mit einer Wendung“, sagt Lake. „Es ist ein bisschen funkiger, ein bisschen mehr Rock'n'Roll. Aber wir wollen unseren Jazz-Vorgängern und den Vorfahren des traditionellen Jazz Tribut zollen, wenn wir diese Fackel tragen.“

Mit seiner magnetischen Bühnenpräsenz und seiner leuchtenden Stimme ist Lake seit mehr als zwei Jahrzehnten eine feste Größe in der Musikszene von New Orleans. Bevor sie nach New Orleans kam, reiste sie mit einem kleinen, familiengeführten Zirkus durch das Land, wo sie Zaubertricks vorführte und sang. Ihr vielseitiger, vaudeviller Hintergrund ist auf der Bühne immer noch spürbar.

Lake gründete 2009 die Little Big Horns, und die Gruppe tritt jeden Dienstag in der Frenchmen Street im The Spotted Cat auf und dient als Soundtrack für lokale Swing-Tanzveranstaltungen oder für beschwipste Touristen, die ihre Tanzschritte testen.

Während die Bandmitglieder es gewohnt sind, in schlecht beleuchteten Clubs zu spielen, freuen sie sich laut Lake darauf, am helllichten Tag und auf einer größeren Bühne aufzutreten, als sie es gewohnt sind.

„Ich liebe es, tagsüber zu spielen“, sagt Lake. „Das Festival bietet so einen guten Querschnitt durch die Musik von New Orleans und ich finde es toll, dass die Leute Kinder mitbringen können. Es ist etwas ganz Besonderes, mit dem Publikum in Kontakt zu treten.“

Lake spielt auch mit mehreren Bands verschiedener Genres, von Americana, Rock and Roll und Blues bis hin zu Disco, mit einem ihrer neuesten Projekte, The Machetes.

Außerdem wird sie am Freitag bei dba mit Debbie Davis, Arsene Delay, Kimberly Kay, Mia Borders und Miss Sophie Lee für „Women & Witches in Popular Music“ zu Gast sein, das eine Hommage an Stevie Nicks, David Bowie, Dr. John und Erykah darstellt Unter anderem Badu.

Diesen Sommer wird sie nach North Carolina reisen, um ein Album aufzunehmen, das von Folk beeinflusst und nachdenklich sein wird. „Ich beschäftige mich nun schon seit einem Jahrzehnt mit einem Großteil dieses Materials, aber es war eins nach dem anderen“, sagt sie. „Ich bin ziemlich entschlossen.“ — Sarah Ravits

Don Vappie stammt aus New Orleans und gilt als einer der besten Banjospieler der Welt.

Erst letztes Jahr wurde er in die Hall of Fame des American Banjo Museum aufgenommen und erhielt 2021 den Steve Martin Banjo Prize für seine „lebendige Verkörperung von 300 Jahren New Orleans-Musik“.

Mit sieben selbstproduzierten Alben – das jüngste ist „The Blue Book of Storyville“ aus dem Jahr 2019 – beschreibt Vappie seine Musik als eine Hommage an sein kreolisches Erbe.

„(Meine Musik) ist insofern kreolisch, als sie mit New Orleans, mit der Karibik und mit dem Rest der Welt verbunden ist. Es ist eine Lebensart“, sagt Vappie.

Schon in jungen Jahren war er vom Banjo fasziniert und betrachtet es als ein Instrument, das die kreolische Kultur widerspiegelt. Schließlich handelt es sich um ein Instrument afrikanischer Abstammung, auch wenn es schon lange von weißen Amerikanern vereinnahmt wurde. Das habe viele Afroamerikaner dazu veranlasst, sich davon abzuwenden, sagt er.

„Das gesamte amerikanische Rassenkonstrukt veranlasste mich, mich mit der Bedeutung dessen auseinanderzusetzen, was es bedeutet, Kreole zu sein“, sagt er. „Mir wurde klar, dass das Banjo ein afrikanisches Instrument war, und ich fragte mich, warum die Schwarzen es in Amerika so sehr hassten. Meine Frage war: Wie kann ein Volk zulassen, dass ein anderes Volk etwas hasst, das ihm gehört?“

Vappie stellte fest, dass das Banjo ihm half, stolz auf seine Abstammung zu sein. Außerdem sei er schon immer ein großer Fan von Earth, Wind and Fire und anderen Funkbands gewesen, und das perkussive Banjo habe ihn an ein Funkinstrument erinnert, sagt er.

Vappies Musik spiegelt vielfältige Einflüsse auf New Orleans wider. „[Die Musik] ist Teil unserer Kultur“, sagt er. „Es ist Teil unseres Lebens – wie die Art und Weise, wie man kocht, redet und sein Haus baut. Es ist alles Teil eines Ganzen, was durch die Karibik eine Art afrikanisches Konzept ist.“

Vappie beschreibt seinen Stil als „funky wie jede Funkband, swingend wie jede Jazzband und tanzbar“, sagt er. „Es ist Wahrheit. Unsere Musik ist Wahrheit.“ — Sarah Ravits

Vor etwas mehr als einem Jahr gaben mehrere Mitglieder von Cha Wa bekannt, dass sie die Band verlassen würden, um sich einem anderen Projekt zu widmen, und verwiesen auf „unüberbrückbare interne Differenzen“.

Gemeinsam gründeten sie The Rumble, bestehend aus dem Second Chief Joseph Boudreaux Jr. der Golden Eagles, dem Trompeter Aurelien Barnes, dem Posaunisten José Maize Jr., dem Bassisten TJ Norris, dem Gitarristen Ari Teitel, dem Keyboarder Andriu Yanovski und dem Schlagzeuger Trenton O'Neal.

Die Band verschwendete nicht viel Zeit, bevor sie im Februar 2022 ihr Debüt mit einer Residency im Maple Leaf gab. Und seitdem sind sie damit beschäftigt, Auftritte in der ganzen Stadt zu spielen.

Die Mitglieder des Rumble sind tief in den Traditionen von New Orleans verankert, darunter die Black Masking Indians, die Northside Skull and Bone Gang und Second-Line-Blaskapellen. In diesem neuen Kapitel wollen sie die traditionellen Aspekte der Stadtkultur einbeziehen und würdigen und gleichzeitig mit neuen Ideen und Klängen experimentieren.

„Wir bieten ein umfassendes New Orleans-Erlebnis“, sagte Barnes letztes Jahr zu Gambit. „Dazu gehören die Mardi Gras Indians. Dazu gehören Blaskapellen. Dazu gehören Dinge wie die Skull and Bones Gang. Es ist ein ganzheitlicher Ansatz für die Kultur von New Orleans.“

Boudreaux‘ Vater, Big Chief Monk Boudreaux, und die Golden Eagles spielen am Samstag um 18:30 Uhr auch das French Quarter Fest auf der Chevron Stage. — Kaylee Poche

Der sanfte Jazz und der seidige Gesang in Anna Laura Quinns Musik machen es leicht, das Gefühl einer sanften Reise in die Vergangenheit zu spüren. Quinn zählt klassische Disney-Filme zu ihren Einflüssen, und dieser Klang ist bei ihren Auftritten fast greifbar.

Tatsächlich covert sie auf ihrem 2022 erschienenen Album „Open the Door“ „Very Good Advice“ aus dem Film „Alice im Wunderland“ von 1951.

Es ist eines von neun Arrangements von Jazzstandards auf dem Debütalbum des in New Orleans und San Francisco lebenden Künstlers, darunter „Comes Love“ und „Speak Low“. Die Lieder beinhalten Cello, Saxophon, Flöte und andere Instrumente.

Ein herausragendes Stück des Albums ist Quinns Cover von Ellis Marsalis‘ „Cry Again“. „Mir bleibt nur noch zu weinen, dann zu seufzen und dann wieder zu weinen“, klagt sie.

Quinn schloss 2021 den Masterstudiengang „Jazz Studies“ der University of New Orleans ab und trat im Rahmen des Programms vor seinem Tod im Jahr 2020 mit prominenten Musikern wie dem Trompeter Terence Blanchard, dem Organisten Lonnie Smith und sogar Marsalis selbst auf.

Ihrem Album aus dem Jahr 2022 folgte eine EP aus dem Jahr 2018 mit dem Titel „I Feel the Sudden Urge to Sing!“, die sie in San Francisco aufnahm.

Während „Open the Door“ leicht zu hören ist, haben Sie Quinn während des Karnevals vielleicht bei einer energiegeladeneren Art erwischt: beim Jammen und beim Cruisen durch die Straßen auf einem selbstgebauten Float-Apparat namens „Truckuzzi“.

Quinn ist an Veranstaltungsorten wie Snug Harbor, Preservation Hall und Dos Jefes Uptown Cigar Bar zu sehen. Am Samstag feiert sie ihren ersten Auftritt beim French Quarter Fest. — Kaylee Poche

Andrew Duhons schroffe, goldene Stimme und sein geschicktes Geschichtenerzählen verbinden sich zu einem lockeren, folkigen Blues, der ihm den Spitznamen „ein Seelenverwandter von Van Morrison“ eingebracht hat.

Duhon stammt aus New Orleans und kombiniert die Textur des Blues mit Noten zeitgenössischen Folks.

Obwohl Duhon die meiste Zeit seiner Karriere als Solokünstler tätig war, hat er sich kürzlich mit dem Schlagzeuger Jim Kolacek und dem Kontrabassisten Myles Weeks zusammengetan.

Kolacek und Weeks verleihen Duhons Sound eine farbenfrohe Stimmharmonie, die im Titelsong ihres 2022 erschienenen Albums „Emerald Blue“ zu hören ist. Das Album nimmt die Zuhörer mit auf eine Reise mit der Band in die Berge von Washington und bringt sie dann zurück nach New Orleans, wo sie ein „Schloss auf dem Irish Bayou“ errichten. Zuhörer aller Generationen werden dabei sein, mit der Gitarre herumzustampfen und die Klänge von Duhons neuer Version in sich aufzusaugen. — Maya-Schilde

Seguenon Kone und sein Ensemble bringen Klänge und Traditionen Westafrikas zum French Quarter Fest. Der gebürtige Elfenbeinküster verleiht seinen Sets energiegeladene Percussion, Tanz und Geschichtenerzählen.

Kone lebt seit 15 Jahren in New Orleans und hat mit vielen Jazzkünstlern der Stadt zusammengearbeitet, darunter dem Klarinettisten Dr. Michael White sowie dem Blues- und Zydeco-Musiker Bruce „Sunpie“ Barnes.

Kone glänzt mit dem Balafon, einer Art Xylophon aus Holz, und den Djembe-Trommeln, die er mit bloßen Händen spielt.

Es wird auch viele traditionelle Gesänge und Gesänge geben. Und während Kone seine westafrikanischen Wurzeln stark zur Geltung bringt, kommen in seinen lebhaften Auftritten auch seine New-Orleans-Einflüsse zum Ausdruck. — Sarah Ravits

Die Original Pinettes sind eine rein weibliche Blaskapelle, die 1991 an der St. Mary's Academy, einer katholischen Mädchenschule, gegründet wurde.

Seitdem haben sie viele neue Mitglieder verloren und willkommen geheißen und ihre Talente rund um den Globus zu Festivals gebracht, darunter zum Ascona Jazz Festival in der Schweiz. Sie traten auch zusammen mit großen Namen wie Katy Perry auf.

Obwohl ihre Beliebtheit stetig zunahm, trug der Blasmusikwettbewerb „Street Kings“ von Red Bull 2013 dazu bei, ihren Ruf als Spitzenensemble zu festigen, als sie drei (von Männern geführte) Bands besiegten. Die Band ist stolz darauf, dass der Wettbewerb den Titel zu Ehren in „Street Queens“ umbenannt hat.

Die Blaskapelle spielt auch freitagabends in Bullet's Sports Bar im 7. Bezirk. — Sarah Ravits

Jason Neville, Sohn des Grammy-Gewinners Aaron Neville, gründete seine Band 2016 und vereint eine Mischung aus Funk und Soul und tritt damit in die Fußstapfen einer der einflussreichsten Musikdynastien der Stadt. Sie treten häufig im Frenchmen Street at 30/90 und im Cafe Negril sowie an anderen örtlichen Veranstaltungsorten auf. Dies ist das erste Mal, dass die Band beim French Quarter Fest auftritt und sie wird Originalmaterial und einige Coverversionen spielen.

Diesen Sommer bringen Neville und seine Band den Funk auf eine Tour, die in Alabama, Georgia, Florida und im pazifischen Nordwesten Halt macht. — Sarah Ravits

Die Akkordeonistin und Sängerin Rosie Ledet spielt Zydeco-Musik, seit sie als 16-Jährige einen Zydeco-Tanz bei Richard's in St. Landry Parish besuchte und Boozoo Chavis auftreten sah.

Der Tanz war in mehr als einer Hinsicht transformierend, da sie auch Morris Ledet traf, den Mann, der etwa ein Jahr später ihr Ehemann werden sollte. Sie brachte sich selbst das Akkordeonspielen bei, indem sie sich Aufnahmen von Chavis und John Delafose anhörte, und schon bald begann das Paar, gemeinsam mit ihrer Band The Zydeco Playboys aufzutreten.

Rosie Ledet hat zehn Alben veröffentlicht, acht davon zwischen 1994 und 2005, und viele der Songs darauf hat sie geschrieben. Sie hat die Veröffentlichung in den letzten Jahren verlangsamt – ihr letztes vollständiges Album war „Raw!“ aus dem Jahr 2015. – trat aber weiterhin auf und veröffentlichte 2020 eine Single.

Die meisten Lieder von Ledet sind fröhlich, oft mit suggestiven Texten, manche subtiler als andere. Aber ihre Single „Love Song“ aus dem Jahr 2020 ist sanft und süß. „Du bist mein Liebeslied“, singt sie im Refrain. „Lass mich es nicht alleine singen, Baby.“ — Kaylee Poche

Diese Mandeville-Country-Rockgruppe wird am Samstag beim French Quarter Fest zum Jubeln und Gebrüll bereit sein.

Der 1,80 m große Christian Serpas steht an der Spitze der Band und singt und spielt Akustikgitarre, mit Jeff Oteri am Schlagzeug, George Neyrey an der Gitarre und Don Williams an der Bassgitarre. Alle Mitglieder tragen ihren Gesang bei.

Christian Serpas & Ghost Town traten erstmals 1999 gemeinsam auf und Serpas scherzte in einem WWL-Interview 2021, dass die Gruppe ihre Gelübde zu ihrem 25-jährigen Jubiläum erneuern könnte.

Seitdem hat die Band acht Alben sowie 2018 eine Weihnachtsveröffentlichung mit drei Titeln, „Rockin‘ ol‘ Christmas“, veröffentlicht.

Im Laufe der Jahre haben sie die Bühne mit einigen der größten Namen der Country-Musik geteilt, darunter Kenny Chesney, Merle Haggard und Blake Shelton.

Die Band spielt Shows an der Nordküste, in New Orleans und im gesamten Süden und spielt dabei sowohl Originalsongs als auch eigene, lebhafte Interpretationen von Songs von Künstlern wie Bob Dylan, Johnny Cash und den Rolling Stones.

Und obwohl sie seit 2016 kein vollständiges Album mehr veröffentlicht haben, sollten sich Fans keine Sorgen machen. Die Gruppe hat neue Musik in Arbeit. — Kaylee Poche

Keyboarder und Sänger John „Papa“ Gros erinnert sich daran, wie er mit Freunden aufwuchs, die auch Klavier spielten. In der High School wetteiferten sie darum, wer als Erster lernen würde, den neuesten Radiohit zu spielen – sei es „Jump“ von Van Halen oder „Rosanna“ von Toto – und halfen sich gegenseitig, wenn sie nicht weiterkamen.

Die freundschaftlichen Herausforderungen, über die er in seinem Blog schreibt, waren ein Vorläufer seiner langen Karriere im Funk, Blues, traditionellen Jazz und Rhythm and Blues.

Gros begann seine Karriere damit, den ehemaligen Meters-Bassisten George Porter Jr. und den Gitarristen Snooks Eaglin zu unterstützen, was ihm eine Meisterklasse in Sachen Musikalität verschaffte.

„George Porter Jr. hat mir beigebracht, wie man in verschiedenen musikalischen Umgebungen funktioniert“, sagte Gros kürzlich in einem Facebook-Beitrag. „Sie passen sich an, indem Sie den Menschen vertrauen, mit denen Sie spielen, Ihrer Erziehung vertrauen und sich trösten, weil Sie wissen, dass Ihre Ohren Ihnen den Weg weisen.“

Von 2000 bis 2013 leitete er seine eigene Funkband, Papa Grows Funk, die beliebte wöchentliche Auftritte im Maple Leaf spielte. Als sich die Band auflöste, bekam er die Gelegenheit, sich seiner Solomusik zu widmen, und seitdem hat er zwei Soloalben in voller Länge veröffentlicht – „River’s on Fire“ im Jahr 2016 und „Central City“ im Jahr 2020.

In „Central City“ sind zahlreiche Legenden aus New Orleans zu hören, darunter Ivan Neville, Schlagzeuger Herlin Riley und sogar sein alter Freund Porter. Es enthält Originaltitel sowie Coverversionen von Liedern von Allen Toussaint, John Prine und Lloyd Price. — Kaylee Poche

Die verlorenen Bayou Ramblers

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Der Sohn des Zydeco-Pioniers Rockin' Dopsie, David Rubin, alias Rockin' Dopsie Jr., wuchs mit der Band seines Vaters auf und hing mit Musikgrößen wie BB King, Clarence „Gatemouth“ Brown und Dr. John zusammen. Er trat der Band seines Vaters bei und sie traten bis zum Tod seines Vaters im Jahr 1993 zusammen auf.

Bei seiner ersten Show nach dem Tod seines Vaters sagte Dopsie, Gatemouth Brown habe ihm gesagt: „Jetzt bist du Rockin‘ Dopsie. Du musst das Vermächtnis hinterlassen und es am Leben erhalten.“ Als geborener Showkünstler übernahm er die Leitung der Zydeco Twisters, führte die Gruppe an und spielte das Waschbrett.

„Von diesem Tag an habe ich getan, was er mir gesagt hat, und ich habe nie zurückgeschaut“, sagt Dopsie.

Während der ältere Dopsie eine stark vom Blues beeinflusste Version von Zydeco spielte, lässt der jüngere Dopsie eine Vielzahl musikalischer Einflüsse von James Brown bis zu den Rolling Stones, BB King, Johnnie Taylor und John Fogerty einfließen.

„Ich habe etwas getan, von dem mein Vater sagte, er hätte es nie getan“, sagt Dopsie. „Ich habe eine Horngruppe, einen Organisten/Keyboarder und eine Mundharmonika hinzugefügt, weil ich wusste, was ich gerne höre. Ich mag den Sound einer Big Band.“

Dopsie Jr. hat sich auch mit seinen lebhaften Bühnenpossen einen Namen gemacht, darunter auch Spagat-Ausbrüche. Er wechselte sogar vom Akkordeonspiel, wie sein Vater es gespielt hatte, zum Waschbrett, damit er es einfach ablegen und über die Bühne tanzen konnte.

Er lernte es vom Cousin seines Vaters, dem Waschbrettspieler Chester „Shorty“ Zeno, der seiner Meinung nach während seines Auftritts Möbel wie einen Tisch oder einen Stuhl irgendwie mit dem Mund aufhob. Als Zeno nicht mehr spielen konnte, bat der ältere Dopsie seinen Sohn, als Teenager an Zenos Stelle auf Festivals zu spielen. Die Erwartung: Bringen Sie eine Show mit.

„Ich erinnere mich, dass ich ihm gesagt habe: ‚Ich kann mit meinen Zähnen keine Tische oder Stühle hochheben. Aber ich kann tanzen, ich kann Spagat machen‘“, sagt Dopsie Jr.

Heutzutage arbeitet Dopsie Jr. an mehreren Alben, darunter eines mit überwiegend Original-Songs und ein weiteres mit seinem Bruder Dwayne Dopsie mit Liedern seines Vaters. Man hat ihn auch gebeten, ein separates Cover-Album mit seinen Lieblingssongs zu machen.

Und obwohl Dopsie Jr. nie eine Setlist vorlegt, können Sie sich auf ein energiegeladenes Set freuen, wenn er am Sonntagabend die Chevron Stage beim French Quarter Fest mit Coverversionen von The Doobie Brothers, James Brown und den Rolling Stones abschließt. Dwayne Dopsie und die Zydeco Hellraisers betreten um 14:10 Uhr die gleiche Bühne. Es wird eines von mehreren Festivals sein, die Dopsie Jr. dieses Jahr veranstaltet hat, darunter das Jazz Fest, das MayFest in Abbeville und weitere im Süden und in Übersee.

„Ich möchte, dass die Leute, wenn sie meine Show verlassen, sagen: ‚Oh mein Gott, Mann, Rockin‘ Dopsie hat mich fertig gemacht‘“, sagt er. „Ich möchte, dass sie müde sind, wenn mein Set vorbei ist. Wenn ich müde bin, möchte ich, dass sie müde sind. Ich möchte, dass sie die gleiche Energie abgeben, die ich aufgewendet habe. Ich möchte, dass alle schwitzen und einfach eine gute Zeit haben.“ … Ich möchte, dass sie tanzen, bis ihnen schwindlig wird. Das ist mein Ding.“ — Kaylee Poche

Wanda Rouzan als festen Bestandteil des French Quarter Fest zu bezeichnen, wäre vielleicht eine Untertreibung. Die R&B- und Traditional-Jazz-Sängerin sagt, sie könne sich nur daran erinnern, dass sie das Festival in den 40 Jahren seines Bestehens nur einmal verpasst habe.

„Wir haben beim ersten French Quarter Fest geschlossen, als es nur eine Bühne gab“, sagt sie.

Letztes Jahr konnte sie nicht einmal ein Sturm davon abhalten, beim Festival aufzutreten. „Dieser Sturm kam herein, wir sahen ihn kommen, er ging vorbei und ich konnte immer noch einen halbstündigen Satz machen“, sagt sie. „Diese Leute waren klatschnass und es war ihnen egal.“

Rouzans Auftritt beim French Quarter Fest ist nur ein Teil ihrer Karriere im Showbusiness, die sich über den größten Teil ihres Lebens erstreckt und Gesang, Tanz, Choreografie und Schauspiel umfasst.

Als Kinder begannen Rouzan und ihre Schwestern, sich in ihrem Viertel im siebten Bezirk zu unterhalten. Sie lernten das Singen, indem sie mit den Platten – den Andrews Sisters, Ray Charles und den Boswell Sisters – harmonierten, die ihre Eltern, ebenfalls Musiker, spielten. Ihre Großmutter mütterlicherseits, Abigail Pellebon, war ebenfalls Varieté-Sängerin in New Orleans, und Musiker wie Lee Dorsey und die Familie Brunious arbeiteten und lebten in der Nähe.

„Historisch gesehen lag Musik in der Familie“, sagt sie. „Es war nicht nur in der Familie, sondern auch in der Nachbarschaft.“

Die Rouzan Sisters veröffentlichten 1964 ihre Single „Men of War“, nahmen sie mit Frisco Records auf und traten als Backup-Sänger für den R&B-Sänger Danny White aus New Orleans auf. Sie arbeiteten auch mit dem Komponisten Wardell Quezergue, dem Sänger und Pianisten Tommy Ridgley und The Dixie Cups zusammen. Doch wenn sie in Clubs auftraten, waren sie aufgrund der Rassentrennung gezwungen, die Hintertür zu benutzen.

„Während wir damals liebten, was wir taten, und großartige Künstler waren, wurden wir als Musiker immer noch zweitklassig behandelt“, sagt Rouzan.

Für ihr French Quarter Fest-Set in diesem Jahr plant Rouzan, Coverversionen von Irma Thomas und Fats Domino sowie einige Originale zu singen, darunter das Country-inspirierte „If You Care“. Sie sagt, sie tendiere zu älteren Songs aus der R&B-Ära, weil viele lokale Musiker aus dieser Zeit inzwischen verstorben seien.

„Meine Gruppe ist eine Gruppe, die singt und tanzt, auf die Füße springt und eine gute Zeit hat“, sagt sie.

Rouzan sagt, sie hoffe, mit ihren Freunden John Boutte und George Porter Jr. ein neues Album zu veröffentlichen und wieder auf Tour zu gehen. Außerdem steht ihr ein landesweiter Fernsehauftritt beim Jazz Fest und eine Kreuzfahrt mit Black Cat Productions im Herbst bevor.

Fans können Rouzan auch beim Jazz Fest erleben, wenn sie am Freitag, dem 28. April, im Blues Tent auftritt. Sie möchte das Fest anschließend genießen und freut sich besonders über einen Künstler.

„So alt mein Körper auch ist, ich werde ganz oben bei Lizzo sein“, sagt sie. — Kaylee Poche

Tonya Boyd-Cannon wuchs als Kind eines Predigers auf und hat ihr ganzes Leben lang Soulmusik gesungen. Aber sie sagt, dass sie erst vor etwa acht Jahren begann, wirklich zu verstehen, was Seele ist.

„Oft erhält Soulmusik nicht die Aufmerksamkeit und Anerkennung, die sie als eigene Plattform verdient“, sagt sie. „Während Elemente der Soul-Musik in vielen anderen Genres zu finden sind, wurde die Soul-Musik an sich im Grunde genommen in den Hintergrund gedrängt.“

Obwohl Boyd-Cannon aus einer Vielzahl von Künstlern und Genres schöpft, ist der Soul immer die durchgehende Linie geblieben.

„Ich würde mit Künstlern auf die Bühne gehen und meine Musik aufführen, aber auch mit anderen Künstlern auftreten und mit anderen Künstlern zusammenarbeiten“, sagt Boyd-Cannon. „Und sie sagten: ‚Tonya, ich weiß nicht, was das ist, aber es ist so gefühlvoll.‘“

Boyd-Cannon nahm 2015 an „The Voice“ teil und veröffentlichte später im selben Jahr ihr zweites Album „Muzic is Life“. Sie arbeitet seit 2018 an ihrem dritten Album, aber in den letzten fünf Jahren hat sich viel verändert, und sie sagt, dass Songs, von denen sie zuvor dachte, sie seien fertig, sie nicht mehr für fertig hält.

Auf einer kürzlichen Reise aus Kuba spielte Boyd-Cannon Lieder, die sie vor etwa einem Jahrzehnt geschrieben hatte, und sie sagte, das Publikum habe ihr gesagt, dass sie sich bei den Liedern wie zu Hause fühlten. Als sie sie fragte, was sie damit meinten, „sagten sie oft, ein sicherer Raum, in dem ich einfach ich sein kann“, sagt sie.

„Das ist es, was ich den Menschen vermitteln möchte: einfach die Möglichkeit, diesen sicheren Raum zu finden, wo immer man ist“, sagt sie. „Ich hoffe, durch Musik Freiheit, Transparenz und Heilung zu bringen.“

Bei der Überarbeitung des Albums und dem Herumspielen mit dem Titel legt Boyd-Cannon besonderen Wert auf die Kraft der Texte, was sie gerade über ihren Masterabschluss im neuen Black American Music-Programm der Tulane University lernt, das von Nicholas Payton und Jessie McBride gegründet wurde.

„Worte tun weh, aber Worte können auch heilen“, sagt sie. „Worte können Ihnen auch eine Reise ermöglichen, um das zu finden, wonach Sie suchen.“

Beim French Quarter Fest freut sich Boyd-Cannon darauf, in der Nähe des Mississippi zu spielen und den anderen Künstlern zuzuhören. Für ihr Set wird sie „In New Orleans“ spielen, das sie vor etwa einem Jahrzehnt schrieb, als sie an der McDonogh 15 unterrichtete und die Schüler auf eine Exkursion im French Quarter mitnahm. Sie wird außerdem „Love that Never Ends“ aus ihrem Album von 2015 sowie die klassische Hymne „This Little Light of Mine“ singen.

„‚Love That Never Ends‘ ist ein Lied, das deine Liebe bittet, einfach Geduld zu haben, denn ich weiß, was ich will, aber ich brauche nur deine Geduld mit mir, damit ich mich finden und mir selbst die Liebe geben kann, die ich dir geben kann.“ ," Sie sagt. — Kaylee Poche

Musik war für Louis und Andre Michot schon immer eine Familienangelegenheit. Sie stammen aus einer großen Familie von Cajun-Musikern und sind mit ihrem Vater und ihren Onkeln mit Jammen aufgewachsen. Die Brüder gründeten 1999 die Lost Bayou Ramblers und gewannen 2018 einen Grammy für ihr Album „Kalenda“.

Frontmann Louis Michot ist ein Virtuose auf der Geige und dem Akkordeon, mit einer unverwechselbaren Stimme, die weit über die Sümpfe hinaus hallt.

Und obwohl die Gruppe französische Cajun-Traditionen zur Schau stellt, schreiben die Künstler originelles Material, das zeitgenössischer ist.

Das Publikum erwartet traditionelle akadische Walzer sowie Lieder mit Elementen aus Punk, Rock und Pop. Die Ramblers sind bekannt für ihre Improvisationsfähigkeiten und Experimentierfreudigkeit.

Während einer kürzlichen Soloshow spielte Louis Michot seine Interpretation des New-Wave-/Synth-Hits „Take on Me“ von A-Ha und arbeitet häufig mit Mitgliedern der keltischen Punkband The Pogues zusammen.

„Man weiß nie, was wir spielen werden“, sagt Michot. „Wir sind spontan.“ — Sarah Ravits

Rory Danger und die Danger Dangers

Sonntag von 15:45 bis 17:10 Uhr

WWL-TV Esplanade in der Shade Stage (New Orleans Jazz Museum in der Old US Mint)

Aurora Nealand ist ein Chamäleon einer Künstlerin. Sie ist weithin bekannt für ihr Talent als Jazzmusikerin, die Saxophon und Klarinette singt und spielt. Aber sie glänzt auch als ihr verspielt-exzentrisches Alter Ego, Rory Danger.

Als Rory Danger leitet Nealand die neunköpfige Gruppe Danger Dangers, eine genreübergreifende, von Pop durchdrungene Rockabilly-Supergruppe lokaler Künstler, darunter Mitglieder von Johnny Sketch and the Dirty Notes, Debauche und Misfit Power.

Es handelt sich um eine Aufführung mit viel Theatralik, da jeder Künstler eine Figur spielt und es auch viel Interaktion mit dem Publikum gibt. Rory ist dafür bekannt, dass sie sich für jede Show ein eigenes Thema ausdenkt, daher ist es nicht verwunderlich, dass ihre lokalen, kultähnlichen Anhänger entsprechend gekleidet sind.

Nealand spielt außerdem am Samstag von 11:15 bis 12:30 Uhr ein traditionelleres Jazz-Set mit The Royal Roses auf der Zapp's Potato Chips Stage in der Bourbon Street. — Sarah Ravits

Obwohl sie über unterschiedliche musikalische Hintergründe verfügen, vereinen sich Bassist David Anderson, Schlagzeuger Tom Chute und Pedal-Steel-Gitarrist Dave Easley zum Jazz- und Funk-Trio ACE – einen Namen, den sie von der verstorbenen Blues-Gitarristin Coco Robicheaux erhalten haben.

Anderson spielt mehrere E-Bässe sowie einen akustischen Kontrabass für Jazz-Sessions, und Bassist Jaco Pastorius brachte ihm Unterricht im Übergang zwischen Jazz und klassischer Musik.

Mittlerweile hat Chute indigene Musikformen studiert und in verschiedenen Bands gespielt. Ebenso hat Easley in verschiedenen Projekten mitgewirkt, darunter The Heartifacts, 3 Now 4 und der Brian Blade Fellowship, und ist mit George Porter Jr., Cyril Neville und Dr. John aufgetreten.

Im Jahr 2021 veröffentlichte das Trio „Adventures of the Moss Bear“, das fünf Freiformimprovisationen und einen Originaltitel von Easley, „Slender Forest“, enthält. Kass Krebs singt den Gesang dieses Folk-Rock-Tracks mit Anklängen an Surf-Rock, einschließlich des viel zu nachvollziehbaren Liedtextes „I'm too Sleepy for the Morning Light“.

Der improvisatorische Charakter der anderen Titel macht sie länger als ein vorab arrangiertes Lied. Am längsten ist der Titelsong, der etwas mehr als 18 Minuten dauert, während „Pop Medley From Outer Space“ mehr als 12 Minuten dauert.

Das Trio ist in der Frenchmen Street, unter anderem im Snug Harbor und Blue Nile, sowie in der ganzen Stadt zu sehen. — Kaylee Poche

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